lunes, 26 de junio de 2017

pelicula: Wonder Woman

Tras los fallidos intentos de otras cintas de superheroínas como Catwoman, Elektra o Supergirl saldados en fracasos tanto económicos como en crítica y público parece ser que ahora Wonder Woman ha dado con la tecla adecuada. Tras el buen sabor de boca que dejó su participación en Batman v Superman: el amanecer de la justicia, la guerrera amazona disfruta de su película en solitario y supone la mejor película, hasta ahora, del universo cinematográfico de DC y sirve de aperitivo ante la esperada adaptación de La liga de la justicia.

Dirigida por Patty Jenkis y guión de Allan Heinberg, el argumento de la película es el siguiente: Diana (Gal Gadot) es una princesa amazona que vive en una isla paradisiaca oculta. Tras la llegada del piloto norteamericano Steve Trevor (Chris Pine), Diana abandonará su hogar y se unirá a Steve para luchar en la primera guerra mundial para derrotar al ejercito alemán que cuenta entre sus filas con el malvado general Erich Ludendorff (Danny Huston) y la perversa química Maru (Elena Anaya) y desbaratar los planes de Ares, Dios de la guerra.

Tras las buenas críticas y opiniones tanto por parte de la prensa especializada como de amigos, ayer vi la cinta protagonizada por Gadot. Si bien comparto parte del entusiasmo, no estoy del todo de acuerdo con aquellos que ponen al film notas altas. Cierto es que se trata de una buena película, con interpretaciones y dirección bastante correctas, y aún así al universo cinematográfico de DC le quedan cosas por pulir hasta llegar al nivel alcanzado por Marvel.

Antes de destacar las virtudes de la película, en primer lugar voy a señalar, al menos en mi opinión, sus principales defectos. El primero de ellos es el uso del CGI, en según que momentos la utilización de los efectos especiales por ordenador cantan por soleares. Y es algo molesto, estamos hablando de una producción de cientos de millones de dolares. ¿En serio me estás diciendo que no habéis tenido presupuesto suficiente para pulir los mismos y ofrecer un mejor acabado de los mismos?

Otro de los defectos es el doblaje. La voz de Gadot y de los personajes encarnados por Robin Wright y Connie Nielsen, tía y madre de Diana respectivamente, no me acabó de convencer del todo. No digo que sea horrible, pero con los buenos dobladores en nuestro país es algo que chirría. Algo que no ocurre con el resto de protagonistas principales, en este aspecto se podría haber hecho mejor y cuidar este apartado.

La pelea final contra el villano no termina de ser todo lo épica que prometía cuando comenzó. Si bien en un principio apuntaba maneras, la misma acaba de forma demasiado precipitada y deja con la miel en los labios a los espectadores.

Y por último es la cámara lenta, marca de la casa de su productor Zack Snyder. En no pocas ocasiones la directora hace uso de la misma. Una vez no molesta, pero cada vez que hay una secuencia de acción ya aparezca la protagonista o no se use termina por resultar repetitivo.

Pero no todo van a ser palos. Entre los puntos a favor de la cinta hay que destacar la labor de su directora. Tras debutar en Monster y dirigir episodios de series como Arrested Development o The Killing, la realizadora da el salto al blockbuster en su regreso al cine. Y su retorno a la gran pantalla se ha saldado con una buena cinta. Jenkins sabe dar las dosis justas de acción, drama y comedia sin que ningún elemento quede por encima del resto.

Otro de los elementos es la interpretación de Gadot. Tras el buen sabor de boca que dejó en su breve aparición en la ya mencionada Batman v Superman, la intérprete israelí consigue hacer suyo un papel y hacer olvidar parte de las críticas por su elección a la hora de interpretar a la amazona, ya sea por su falta de pecho o por no tener el cuerpo más tonificado. Una vez vista la cinta, la actriz ha conseguido cerrar bocas y demostrar que su elección fue más que acertada. Aporta las dosis necesarias de carisma y belleza y hace suyo un personaje que ya interpretó para la televisión Linda Carter.

El resto de intérpretes también hacen una buena actuación, Huston compone un buen villano y lo mismo ocurre con Anaya. Pine demuestra ser más que una cara bonita en un par de instantes del film y su químca con Gadot es evidente.

No se me olvida destacar que con esta cinta, DC consigue estar un poco más cerca de Marvel en cuanto a adaptaciones de superhéroes se refiere. Aún les queda un largo camino por recorrer, puesto que han hecho el camino a la inversa que su rival. En vez de presentar a los personajes y hacer que se junten en una única película, primero harán su película conjunta, La liga de la justicia, y luego Aquaman, Cyborg y Flash contarán con su propio film. Pero este es el camino a seguir para futuras películas.

Una cinta entretenida en donde sus dos horas y pico de metraje pasan volando y que guarda no pocos parecidos con la película Capitán América: el primer vengador. Tanto en una cinta como en otra se nos cuenta como ambos héroes luchan en dos de las grandes guerras de la historia, Wonder Woman en la primera y el capi en la segunda, nos narran sus orígenes y se enfrentan a sus peores enemigos haciendo uso de sus poderes y habilidades.

En resumidas cuentas:
Lo mejor: la dirección de Jenkins y la interpretación de Gadot.
Lo peor: el uso del CGI en determinadas escenas.
La(s) secuencia(s): Wonder Woman saliendo de las trincheras y enfrentándose al ejercito alemán y la pelea final contra Ares.
El momento: Diana y Steve en el barco por la noche.
La imagen: Ares formando su armadura.
La frase: ¿Cómo consiguen las mujeres pelear con este vestuario? Diana a Steve.

A continuación el trailer:


jueves, 22 de junio de 2017

musica: top temas de cine vol. 1

Cine y música forman un binomio perfecto. Desde la aparición del cine sonoro no han sido pocos los temas que han pasado a la historia del cine. En la entrada de hoy voy a hablar de algunos de estos temas, que consiguen animarte o traer a tu mente la escena o momento al que van ligados. En esta primera entrega alternarán los más movidos con otros más tranquilos. Pero todos ellos tienen en común el ser muy conocidos.

Il Triello. Autor: Ennio Morricone. Película: El bueno, el feo y el malo. Tema que supone el corte final de la banda sonora y que acompaña a uno de los momentos más reconocidos del famoso spaghetti western dirigido por Sergio Leone. Música y montaje forman uno de los mejores, y más reconocidos momentos de la filmografía del famoso director italiano. Los silencios y los duelos de miradas entre los protagonistas supuso un gran broche de oro, en lo que fue su última película junto a Clint Eastwood. Uno puede cerrar los ojos y revivir la tensión del momento entre los personajes para hacerse con el tesoro escondido en el cementerio.


Lara's Theme. Autor: Maurice Jarre. Película: Doctor Zhivago. En la que fue su segunda colaboración con David Lean tras Lawrence de Arabia, el compositor Maurice Jarre creó uno de los temas más románticos de la historia del cine y que por siempre irá asociado a la actriz Julie Christie. La melodía compuesta por Jarre fue utilizada décadas después en el anuncio de la lotería de Navidad, pero los cinéfilos saben que estas notas pertenecen a una de las películas más románticas del cine y a uno de los títulos más famosos dentro de la filmografía de su director.


Tema de La gran evasión. Autor: Elmer Bernstein. Película: La gran evasión. Uno de los temas más reconocidos del cine, y que supuso la segunda colaboración entre compositor y director tras Los siete magníficos. De nuevo Bernstein supo dotar de emoción a la película ambientada en un campo de prisioneros de guerra. Las primeras notas irán siempre asociadas a las peripecias de Steve Mcqueen y compañía, en una de las cintas más entretenidas de la historia del cine y con uno de sus finales más amargos. Pese a ello es una de las cintas más reconocidas y famosas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial-


Tema de La lista de Schindler. Autor: John Williams. Película: La lista de Schindler. El compositor John Williams dejaba de lado la épica de algunos de sus composiciones más famosas, para emocionar a los espectadores en colaboración con el violinista Ithak Perlman. La melodía consigue llegar al corazón de los espectadores y se forme un nudo en la garganta, en lo que supuso el primer Oscar para Steven Spielberg y supuso la enésima colaboración entre Williams y el considerado Rey Midas de Hollywood.


Tara's Theme. Autor: Max Steiner. Película: Lo que el viento se llevó. Una de las epopeyas más grandes de la historia del cine y que supuso la adaptación a la gran pantalla de la novela homónima escrita por Margaret Mitchell. A través de los años los espectadores serán los testigos de la tormentosa historia de amor entre sus protagonistas Rhett Butler y Scarlett O'Hara  a través de los años. Una de las melodías más famosas de la historia del cine y supone un gran acompañamiento a esta trágica historia de amor protagonizada por Vivien Leigh y Clark Gable.


domingo, 18 de junio de 2017

documental: Jiro dreams of sushi

La cocina está más de moda que nunca. Gracias a concursos como Masterchef en cualquiera de sus ediciones o programas como Pesadilla en la cocina la gastronomía está llamando la atención a un montón de personas. El mundo del cine no podía permanecer ajeno a este fenómeno, no solo con películas como Chef o Sin reservas sino también con diversos documentales que muestran a los espectadores parte de los secretos que rodean este mundo. Precisamente la entrada de hoy nos muestra uno de los platos por excelencia de la cocina japonesa, el sushi, y a uno de sus maestros poseedor de un restaurante galardonado con tres estrellas Michelin.

Dirigido en 2011 por David Gelb, la cinta nos presenta a Jiro Ono un maestro del sushi con 85 años y propietario del restaurante Sukibayashi Jiro, situado en una estación de tren con una capacidad para únicamente 10 comensales. Pese a ello su establecimiento posee la más alta distinción en cuanto a estrellas Michelin se refiere, y para comer se necesita reservar con un mes de antelación.

Muy interesante documental elaborado mediante entrevistas tanto del propio Jiro, como de sus dos hijos y el crítico gastronómico Masuhiro Yamamoto. A través de sus testimonios conocemos un poco la figura del chef, y su obsesión por elaborar la pieza de sushi perfecta. Algo que le ha obsesionado desde sus comienzos en este mundo e intenta transmitir a su hijo mayor, llamado a heredar el negocio familiar una vez Jiro fallezca.

Una de las partes más curiosas del documental tiene lugar en el mercado de pescado de Tsukiji, donde Jiro y su hijo compran el pescado para elaborar el sushi. A la hora de adquirir la materia prima acuden solo a quien vende lo que necesitan, ya sea atún, camarones o anguilas por citar algunos ejemplos. Cada uno de estos vendedores es especialista en vender únicamente ese determinado producto, por lo que cuidan la calidad de los mismos y ofrecen lo mejor de lo mejor a sus clientes. Esto se traduce en una cocina de temporada, dependiendo del tipo de pescado de la época elaboran unas piezas u otras.

Otro de los elementos a destacar es el momento donde se muestra a los espectadores el duro aprendizaje al que se ven sometidos los aprendices de sushi. Algunos de ellos no llegan a superar el día de formación, debido a las duras condiciones de trabajo a la que se ven sometidos. Esta formación puede durar hasta diez años, pero es algo gratuito por parte de Jiro y los aprendices no han de pagar por ello. Pero ya saben a lo que se arriesgan, puesto que tanto Jiro como su hijo mayor son muy estrictos en lo que a trabajar en su establecimiento se refiere.

Pero el documental también nos muestra partes amargas de la vida de Jiro. Como cuando rememora su dura infancia o las largas jornadas laborales cuando sus hijos eran pequeños. Esto hacía que apenas tuviera tiempo para verlos y cuando llegaba antes, el hijo menor decía que había un extraño en casa. Pese a que Jiro lo recuerda con una sonrisa, es un momento cuanto menos trágico puesto que muestra a los espectadores la otra cara de la vida de los chef y su duro ascenso hacia la fama.

Otra prueba del duro carácter de Jiro es cuando explica a la cámara como dejó que sus hijos acabaran el bachiller, pero no les permitió ir a la universidad para seguir con su formación como cocineros. Para el chef cobra más importancia el trabajo que la formación académica, algo que no parece importarle a sus hijos y nos muestra la importancia de la figura paterna en Japón.

Hacia el final del documental el director enseña a los espectadores una cena en la que participan el crítico gastrónomico y sus invitados, y el método de Jiro a la hora de servirlos. De esta forma se nos muestra como a las mujeres les sirve bocados más pequeños o si alguien es zurdo, como el propio Jiro, las siguientes piezas del menú de degustación les serán servidas por la izquierda. Y esto es algo en lo que en documental hace especial hincapie, en los pequeños detalles y el mimo que Jiro pone a la hora de elaborar las piezas de sushi.
Tal y como afirma en un momento del documental el crítico gastronómico, el restaurante de Jiro está hecho para que la gente coma y se vaya sin poder hacer tertulia alguna. Es para gente que le guste comer rápido y no de forma lenta. Así Jiro elabora las piezas en unos segundos, para que sean comidas en un instante y pasar a la siguiente pieza de sushi.

Uno de los momentos más emocionantes del documental tiene lugar en el tercio final, y ocurre cuando Jiro viaja a su pueblo a visitar a sus antiguos amigos. En estos momentos es cuando el chef nos muestra su faceta más relajada, sonriendo sin parar y gastando bromas. Nada que ver con la cara mostrada hasta entonces.

Un documental imprescindible tanto para los amantes del sushi como para los de la cocina en general.

A continuación el trailer:











miércoles, 14 de junio de 2017

libro: Disparate nacional. El cine de Mariano Ozores

A la hora de nombrar a los grandes directores del cine español, los primeros nombres que a uno se le vienen a la cabeza son Luis García Berlanga, Luis Buñuel, Juán Antonio Bardem o Pedro Almodóvar por decir algunos ejemplos. Pero luego también tenemos a un realizador que, si bien no tiene el mismo reconocimiento que sus compañeros de profesión, fue uno de los más taquilleros en nuestro país. A pesar de ser famoso por sus comedias, también trabajó en otros géneros tal y como nos descubre el autor a lo largo de las páginas de este volumen.

Escrito por Javier Ikaz el libro supone un exhaustivo repaso exhaustivo a la filmografía al completo de Mariano Ozores. Desde sus inicios en los 60 hasta los años 90 el realizador de Los bingueros o No hija no, el realizador trabajó con no pocas estrellas de estas décadas y era capaz de saltar de un género a otro. Algo que sus detractores le han echado en cara en no pocas ocasiones.
Ozores era capaz de pasar de una comedia junto a sus hermanos Antonio y José Luis, a realizar un musical a mayor gloria de Peret o Manolo Escobar o dirigir una de sus escasas incursiones en el drama y uno de los títulos más desconocidos dentro de su filmografía, como fue La hora incógnita. Era un realizador que no solía negarse a casi ningún proyecto que caía en sus manos, lo que hace que tenga títulos más afortunados que otros a lo largo de una carrera cercana a los 100 títulos entre cine, televisión y películas directas a vídeo.

A lo largo de sus poco más de 300 páginas el autor nos ofrece un breve resumen y expresa su opinión sobre cada una de las cintas. Para ello utiliza un lenguaje cercano y sin tecnicismos, es como si Ikaz nos invitara a unas cañas y durante diversas sesiones nos desgranara una por una cada una de las películas. Algunas salen mejor paradas que otras, pero la nota en general a la filmografía de Ozores es apto.

El libro descubre a los seguidores del realizador algunos títulos menos conocidos que otros más famosos. Además del citado La hora incógnita, Mariano también hizo los documentales Morir en España e Historia de la fiesta y la cinta infantil Su alteza la niña. Cintas que no pasaban de ser meros encargos, y sirvieron para que el realizador fuera cogiendo experiencia de cara a futuros trabajos en los que poco a poco iría sintiéndose más cómodo y ambientadas en su mayoría dentro de la comedia, con más o menos gotas de drama.

Dos son las principales señas de identidad del cine de Ozores. La primera es que tanto en su primera época, como en las posteriores solía trabajar con el mismo plantel de intérpretes. Así no es extraño ver en buena parte de su filmografía a las parejas formadas por Gracita Morales y José Luis López Vázquez; Lina Morgan y Alfredo Landa y la más reconocible Andrés Pajares y Fernando Esteso en su etapa más famosa y con la que muchos aficionados al cine le identifican.
La segunda eran sus guiones ligeros y cuya única pretensión eran las de entretener a los espectadores. Éstos fueron incluyendo más dosis de mala baba, sobre todo desde la muerte de Franco e incluían no pocas bromas sobre la situación política y con referencias culturales a la época. Por ello buena parte del cine de Pajares y Esteso hoy ha quedado desfasado, parte de las mismas se pueden entender si se ha vivido en el tiempo en que fueron hechas o tienes a alguien que te las explique. En caso contrario uno no termina de comprenderlas del todo

Vistas hoy día buena parte de la filmografía de Ozores no podrían hacerse sin que las asociaciones de mujeres o los colectivos en defensa de los derechos de los homosexuales se lanzaran al cuello del director. Los tiempos han evolucionado y se han vuelto más políticamente correctos, algo que no ocurría tiempo atrás y en donde se podían hacer bromas sobre los gays y sacar mujeres ligeras de ropa a la mínima de cambio sin pensar en las consecuencias. Tal vez por esto se le ha acusado al realizador en no pocas ocasiones de machista, algo que ha negado en no pocas entrevistas.

El único pero que se le puede encontrar al libro es que el autor no termina de ser del todo imparcial con el cine de Ozores. La gran mayoría de cintas reseñadas salen bien paradas, y las que no lo hacen no termina de explicar del todo las razones por las que ese título no ha acabado de convencerle del todo. En este aspecto el autor no se "moja" tanto en las que le gustan como las que no. Sin duda hubiera sido interesante conocer porque unas le gustan más que otras, los recuerdos que tiene de las mismas, etcétera.

El libro se encuentra profusamente ilustrado, tanto con los carteles de las cintas y series nombradas como de diferentes fotogramas de las mismas y de las fotografías y pequeñas biografías de algunos de los colaboradores más habituales dentro de la amplía filmografía del realizador.

Un libro que sirve para reivindicar la figura de uno de los realizadores españoles más criticados pero que a su vez cuenta con no pocos seguidores. Una vez más la editorial Applehead Team vuelve a dar en el clavo al traernos este tipo de libros, necesarios para los que nos críamos con los videoclubs y que nos mantiene, al menos en mi caso, con una sonrisa nostálgica en la boca al recordar algunos de los títulos reseñados por el autor.

A continuación el trailer que se hizo para el lanzamiento del libro:





jueves, 8 de junio de 2017

pelicula: C.I.A nombre en clave Alexa

Falcon Crest fue uno de los culebrones estadounidenses más famosos en la década de los 80. A lo largo de 9 temporadas los espectadores fueron testigos de las peripecias de sus protagonistas. Al acabar la misma, sus intérpretes tuvieron que ganarse los garbanzos de otra forma. Uno de ellos fue Lorenzo Lamas, protagonista de la entrada de hoy y que vivió una carrera discreta dentro del cine de acción destinado a los videoclubs, pero también reverdeció viejos laureles gracias a la serie Renegado. Hoy analizamos aquí una de esas cintas, en donde coincidió con la que era su esposa en aquella época.

Dirigida en 1992 por Joseph Merhi y con guión de Ken Lamplugh y John Weidner el argumento de la película es el siguiente: tras el fallido robo de un microchip oculto en el cuerpo de un muerto, la ladrona Alexa (Kathleen Kinmont) es arrestada por el detective Murphy (O.J. Simpson) y liberada a continuación por el agente de la CIA Marc Grauer (Lorenzo Lamas). La agencia le ofrece a Alexa recuperar a su hija a cambio de ayudarles a recuperar el microchip que se encuentra en manos de Victor Mahler (Alex Cord) antigua pareja de Alexa.

Como se puede ver por la sinopsis, la misma es bastante simple y sigue más o menos los tópicos del cine de acción de serie B: protagonista guapo y cachas que se pasa por el forro las ordenes de sus superiores; un villano más malo que una lechuga de Chernobyl aderezada con aceite de colza; un compañero gracioso y la tía buena de turno. Como se puede ver, nada nuevo bajo el sol.

La cinta es entretenida sin más y se sostiene sobre todo gracias al carisma de Lamas. Si bien nunca dio el salto al cine de acción con más presupuesto, al menos dentro de la serie B de videoclub supo labrarse una buena carrera y cuenta con no pocos seguidores. Esta es sin duda una de sus cintas más reconocidas, junto con la trilogía Snake eater o Impacto final donde volvió a coincidir con Joseph Merhi.

Una de las pegas de la cinta se encuentra en su parte final, en la misma hay un par de cortes bastante evidentes. Como si al montar la película el director se hubiera olvidado de incluir las mismas, y dudo mucho que exista un corte del director. De ser así sería el primer caso en donde una cinta de serie B tiene un montaje extendido.
Otro problema es que el director no sabe imprimir el suficiente ritmo a las escenas de acción. Las mismas son correctas sin más, lo mismo ocurre con el resto del film. La dirección de Merhi resulta plana, se limita a colocar la cámara y poco más. Menos mal que tanto Lamas como sus compañeros de reparto salvan la situación y consiguen mantener la atención del espectador.

Pude descubrir esta cinta gracias a Telecinco en una de sus emisiones en la noche de los domingos años ha. Por aquella época la cadena privada junto con Antena 3 trajeron no pocas películas de serie B emitidas a lo largo de la semana. Además de las de Lamas otras cintas que se podían ver fueron las de Don "The Dragon" Wilson, Jeff Speakman, las clónicas de Kickboxer o aquellas protagonizadas por los sosias de Bruce Lee entre otras. Todo un festín para los seguidores de la serie B de acción pura y dura.

A la entrada de hoy le tengo cierto cariño, tal vez por ser de las primeras que vi de su protagonista, por que Kinmont fue uno de mis amores platónicos de adolescencia o por su comienzo. La razón no sé explicarla pero ahí está. Soy consciente que no es una película buena, dista mucho de serlo, pero es apañada y saca partido de su escaso presupuesto. Además nos permite ver un par de secuencias de acción donde Kinmont nos ofrece su faceta más badass. Ya solo por eso merece la pena el visionado.

Una cinta para los seguidores de Lamas y de la serie B de acción sin pretensiones. Cuando uno ve este tipo de películas es consciente de lo que va a ver, de las deficiencias que uno va a encontrar tanto a un lado como a otro de la cámara. Pero es un tipo de cine que los amantes de este tipo de películas disfrutamos a pesar de sus carencias.

En resumidas cuentas:
Lo mejor: Lorenzo Lamas y su química con Kinmont.
Lo peor: la dirección de Merhi.
La frase: yo en tu lugar escogería  el ojo (Mahler a su hermano antes de arrancarle el ojo).
La imagen: Alexa viendo a su hija a través de un cristal.
El momento: la presentación del personaje de Lamas.
La(s) secuencia(s): el robo del chip y la entrada de Alexa a la casa de Mahler.






lunes, 5 de junio de 2017

documental: Cuando se acaba el porno 2

El mes pasado reseñé en el blog la primera parte de este documental del año 2010, donde se narraba a los espectadores como era la vida de diversas estrellas una vez han abandonado este negocio. Ahora siete años después el director vuelve a la carga con nuevos testimonios de estrellas, tanto clásicas y pioneras del género como de otras más modernas. Esto supone un plus de interés respecto al de hace 7 años, donde las entrevistas eran más corales. En el de 2017 las entrevistas son individuales, lo que permite conocer más a fondo a cada una de las personas que son entrevistadas.

Dirigido de nuevo por Bryce Wagoner, el documental nos trae no solo nuevas declaraciones de estas estrellas del porno, sino también de aquellas actrices y actores que están empezando en este mundo y su visión del mismo. A estos testimonios se les une el de una sexóloga realizando unas declaraciones bastante interesantes en lo que al uso del preservativo en la industria se refiere. Pero sobre esto hablaré en unos párrafos.

El documental se encuentra dividido en 9 entrevistas, algunas más interesantes que otras, a través de las cuales diversas estrellas ofrecen su punto de vista y opinión acerca de su participación en el mundo de la pornografía. Algunos no se avergüenzan de ello, como ocurre en los casos de Lisa Ann o Ginger Lynn, mientras que para otros fue el inicio de su descenso a los infiernos, tal y como explican Janine Lindermulder o Darren James.
Este último saltó a la fama hace años por haber contagiado a tres actrices con el virus del SIDA, tras haber rodado una película en Brasil y sin haber usado preservativo. Lo que me lleva a retomar lo dicho anteriormente. Tras el testimonio de James la Dra Nicole Prause expone sus argumentos en contra del uso del mismo dentro de la industria, al alegar que el uso de los mismos crean infecciones bacterianas y la aparición de bacterias en la vulva de las actrices. Al final de sus declaraciones deja el uso de los mismos a elección de sus actores. Resulta cuanto menos curioso como en una industria tan expuesta a las enfermedades de transmisión sexual, el uso de los condones se vea cuestionado con las consecuencias que ello puede traer.

A diferencia de la primera parte el director nos ofrece los testimonios de tres pioneros dentro de la industria. Una de las actrices entrevistadas es Georgina Spelvin, protagonista de una de las cintas clásicas dentro del género como es El diablo y la señorita Jones. Spelvin narra a los espectadores las consecuencias a las que tuvo que enfrentarse al ser actriz porno. Como el ser reconocida por su familia o el esfuerzo que le supuso dejar el negocio, al no parar de recibir ofertas para seguir rodando.
Ginger Lynn es otro de los grandes nombres dentro del mundo de la pornografía. Todo un icono en los años 80 y uno de los ejemplos más claros que representa que hay vida después del porno. Lynn es artista y posee su propia web. Lynn ofrece a los espectadores unas declaraciones bastante interesantes al afirmar a las actrices que deseen entrar en la industria que no lo hagan, ya que la misma ha cambiado desde que ella empezó.
Johnnie Keyes fue uno de los pioneros en lo que a sexo interracial se refiere. Su participación junto a Marilyn Chambers en Tras la puerta verde, supuso la entrada en años posteriores de otros actores porno negros. Keyes tenía tras de si un pasado traumático por el alcoholismo de su padre, lo que le llevó a huir de casa a los 16 años y buscarse la vida antes de recalar en la industria.

Uno de los testimonios más duros es el de Janine Lindemulder. Tras empezar de modelo en la revista Penthouse dio el salto al porno donde cosechó grandes éxitos. Pero los mismos supusieron su entrada en prisión al ser acusada de evasión de impuestos. Esto le hizo perder la custodia de su hija, a manos de Sandra Bullock que salía con el que era el marido de Lindelmulder, debido a su profesión lo que derivó en una fuerte depresión y volverse adicta a las pastillas.

Además de los intérpretes mencionados, otras estrellas que aparecen a lo largo del documental son Brittany Andrews, una actriz dominatrix cuyo testimonio fue el que menos me gustó, no ponía el mismo énfasis o interés en sus declaraciones que el resto de los entrevistados. Chasey Lain es otra de las actrices entrevistadas, y cuya foto podéis ver más arriba. Lain empezó como escort y de ahí paso al mundo de la pornografía. Esto le hizo dejar de desempeñar su profesión original, ya que una era incompatible con la otra.
Otra de las estrellas entrevistadas es Tabitha Stevens, quién siguió el consejo que le dieron al poco de empezar en la industria y era el de ir poco a poco con las escenas interraciales, anales y doble penetración a la hora de construirse una carrera. Stevens da su opinión sobre la industria, afirma que ahora hay mucha competencia entre las actrices por ser la mayor estrella y se atreven a hacer las escenas que a ella le costó tiempo hacer al poco de llegar.

Si os gustó la primera parte echadle un vistazo a la segunda. Son poco más de 90 minutos que pasan en un suspiro y nos permite conocer la cara más oculta y personal de estos intérpretes del cine para adultos.

A continuación el trailer:



sábado, 3 de junio de 2017

documental: The resurrection of Jake the snake

Cuando Telecinco llegó a los hogares españoles en la década de los 90, supuso el descubrimiento para muchos adolescentes de la época de series como Campeones o Caballeros del Zodiaco. Pero también supuso conocer el Pressing Catch y algunas de sus grandes figuras como Hulk Hogan, El enterrador o El último guerrero por citar algunos de los luchadores más destacados de este período. Uno de ellos era famoso por ir siempre con un saco con una serpiente dentro, de ahí su apodo. Este documental nos narra su caída y posterior ascenso.

Dirigido en 2015 por Steve Yu, el documental nos cuenta como tras una bochornosa actuación en el circuito independiente de lucha libre, Jake decide ponerse en manos de su antiguo compañero de lucha Diamond Dallas Page para iniciar su ascenso de nuevo siguiendo el programa de su amigo y dejar atrás su adicción al alcohol y las drogas.

Además de las declaraciones de los luchadores mencionados en el párrafo anterior, el documental cuenta con los testimonios de los hijos del protagonista del documental, el director y de otras leyendas de la lucha libre como Chris Jericho, Ted DiBiase más conocido por su personaje de El hombre del millón de dolares o Adam Copeland más conocido como Edge.

Cinta muy interesante y que permite conocer la faceta más personal de uno de los luchadores de Pressing Catch de los años 90, a pesar de que no haber ganado ningún título dentro de la compañía. En no pocos momentos de la cinta los espectadores ven a Aurelian, verdadero nombre de Jake, derrumbarse ante sus ojos. El protagonista admite sus errores, pero necesita el empujón necesario para dejarlos atrás, volver a ser quién era y recuperar de paso el amor de sus seres queridos a quienes ha dejado de lado en su particular descenso a los infiernos.

El film es bastante duro y dramático, sin llegar a ser lacrimógeno del todo a pesar de emocionar en varias ocasiones. El retrato que el director nos ofrece de la antigua leyenda del wrestling es el de alguien roto, sin ninguna meta para seguir adelante hasta que la ayuda de su amigo le hace ver la vida de otra manera. Y aún así le decepciona en un par de ocasiones, pero Page le consigue perdonar. Las principales lecciones que se extraen una vez acabado el visionado, son el del valor de la amistad y el afán de superación.

Mientras veía el documental, no podía evitar acordarme de El luchador de Darren Aranofski. Tanto en una cinta como en otra, sus realizadores nos muestran la cara más amarga de estos atletas que han caído en desgracia tras estar en la cima de su profesión. Pero mientras en la cinta de Aranofski todo  era ficción, en la de Yu todo es real. A lo largo del metraje los espectadores asisten a los enfados y decepciones de todos los implicados en la recuperación de Aurelian. Unos se muestran impotentes ante la situación por la que está atravesando el luchador, mientras que el protagonista es como un niño pequeño y por cada paso que avanza retrocede dos. Hasta que por fin coge el impulso necesario para lograr su recuperación.

El único pero que se le puede encontrar al documental es que apenas muestra escenas de combates disputados por Jake. Sin duda hubiera supuesto un buen contraste entre el Jake en la cúspide y sus luchas en las ligas independientes de lucha libre. De alguien que luchó frente a decenas de miles de espectadores a hacerlo frente a poco más de 700.

Pese a que el gran protagonista de la cinta es Jake, en un par de momentos él mismo cede el testigo a Scott Hall conocido por su alias de Razor Ramón. Al igual que Jake, Scott también ha caído en desgracia por su adicción al alcohol. Pero mientras que Scott hará todo lo posible por salir de la misma, Jake no tiene la misma fuerza de voluntad que su amigo. Es como si formara parte de su personalidad el cometer una y otra vez los mismos errores, hasta que por fin reacciona.

Uno de los momentos más emocionantes tiene lugar hacía la conclusión del documental. En 2014 Jake fue introducido dentro del salón de la fama de la WWE. Este galardón es el máximo honor que cualquier luchador puede recibir, aunque el mismo premio no se encuentra libre de polémica ya que gente ajena a este deporte como Mike Tyson e incluso Donald Trump también lo han recibido.

Si sois fans de la lucha libre, este es un documental de visión obligada para conocer la otra cara de un negocio con millones de seguidores por todo el planeta.

A continuación el trailer:






jueves, 1 de junio de 2017

libro: De Madrid al Zielo 3. Resistencia

El género zombi está viviendo una época dorada. Ya sea en la literatura, la gran pantalla, los comics o sobre todo en la televisión con la emisión de The walking dead o Fear the walking dead, estos muertos vivientes están más de moda que nunca. En nuestro país diversos autores han encontrado aquí la forma de darse a conocer al gran público, bien sea mediante un libro autoconclusivo o con la publicación de sagas. Precisamente una de las más famosas vuelve ahora, para contar a los lectores los sucesos que transcurrieron paralelos a los que tuvieron lugar en la primera parte.

Escrito de nuevo por Alfonso Zamora Llorente y con un prólogo a cargo de su hermano Javier, la trama nos cuenta como la pandemia zombi coge de improviso a unas personas que se encuentran haciendo sus compras en el centro comercial La Gavia. Desde ese momento tendrán que hacer frente no solo al peligro que suponen los muertos vivientes, sino también a los enfrentamientos entre ellos y que serán más peligrosos que los zombis.

Cuando todo parecía cerrado con la segunda parte, el autor nos ha sorprendido con esta tercera entrega la cual sirve de complemento a lo narrado en la primera parte de esta saga. En esta ocasión gran parte de la acción tiene lugar en una única localización, salvo en un par de instantes en los que el escritor abandona las cuatro paredes del centro comercial para presentarnos nuevos personajes y que en algunos casos tienen más peligro que los muertos vivientes.

Lo más destacado del libro son los personajes. Esta es una novela más coral que las anteriores entregas y donde dos protagonistas destacan por encima del resto. Ambos representan las dos formas de enfrentarse a esta situación límite y son las dos caras de la moneda. El primero es Justo, quien es despedido de Fnac al poco de comenzar la novela y ejercerá de improvisado líder de las personas atrapadas dentro del centro comercial. Representa el equilibrio, la voz de la razón, los deseos de sobrevivir y no dejarse llevar por la violencia.
Todo lo contrario que Nicolás, vigilante de seguridad del centro comercial, principal antagonista y una amenaza mayor para las personas encerradas dentro del centro comercial que los zombis. Nicolás es un personaje egoísta, abusón y un traidor, lo que le convierte en un gran villano al que da gusto odiar. Al poco de conocerle uno no puede sino desearle lo peor, no para de hacer faena tras faena a los que están encerrados con él. Sin duda es un gran acierto por parte del autor, quien nos regala un gran malo a la altura de las circunstancias.

Los instantes de acción también tienen hueco en este libro, algo normal al tratarse de una novela de zombis. Pero estos quedan reducidos al mínimo, puesto que el autor prefiere centrarse más en las relaciones entre los personajes que en la violencia y en una ensalada de tiros. Eso sí, cuando los mismos hacen acto de aparición, el autor no se corta a la hora de mostrar las consecuencias del uso de las armas blancas y de fuego tanto en los muertos vivientes como en los seres humanos.
Lo mismo ocurre con las apariciones de los zombis. Cada una de las mismas conlleva un gran peligro y escenas bastante gore. Las cuales van desde el simple mordisco hasta un festín en toda regla. En estos momentos es cuando el autor saca su vena más sádica, y obsequia a sus seguidores con un festival de sangre y vísceras narrados de forma bastante visual y cinematográfica.

El primer referente que a uno se le viene a la cabeza cuando termina de leer el libro, es Zombi de George A. Romero o su remake Amanecer de los muertos de Zack Snyder. La novela guarda no pocos paralelismos con ambos filmes, pero mientras que en ambas producciones los protagonistas tenían a su lado alguien con formación militar o policial, en la novela de Alfonso no existen ese tipo de personajes. Tan solo son meros supervivientes que tendrán que aplicar sus conocimientos para resistir el máximo tiempo posible sin caer en la locura.

El ritmo de la novela resulta bastante bueno y no se hace tedioso en ningún momento. A ello ayuda los diálogos de los personajes, bastante ágiles, las situaciones por las que atraviesan y que van alternando los momentos más pausados con otros mucho más dinámicos. Esto hace que el libro se devore y resulte complicado abandonar su lectura, puesto que nos engancha desde las primeras páginas.

Un libro que resulta un buen complemento a las dos anteriores entregas de la saga, y nos permite conocer un poco más este universo creado por el autor. A lo largo de sus páginas el autor rinde homenaje a otras obras de compañeros de letras. Como si de un juego se tratara, los lectores han de adivinar estas referencias, algunas más evidentes que otras.

miércoles, 31 de mayo de 2017

libro: Cenizas

Hoy por primera vez en el blog ponemos una nota de prensa del futuro lanzamiento de un libro. Se trata de la segunda parte de Y pese a todo, escrito por Juan De Dios Garduño y adaptada al cine con el nombre de Extinction, dirigida por Miguel Ángel Vivas y protagonizada por Matthew Fox. Aquí tenéis toda la información respecto al libro y su autor.




 

El próximo 23 de junio, la editorial Palabras de Agua pondrá a la venta la nueva novela de Juan de Dios Garduño, Cenizas, con la que el autor regresa al terror después de su paso por la novela de aventuras.

Cenizas es la secuela de Extinction: Y pese a todo, la novela adaptada al cine por Miguel Ángel Vivas y protagonizada por Matthew Fox (Perdidos) y Clara Lago, y de El arte sombrío, aunque no está concebida como parte de una trilogía y puede leerse de forma independiente.

En Cenizas, seguimos la evolución de algunos personajes ya conocidos en una vuelta de tuerca al género apocalíptico que dio fama al escritor sevillano.

SINOPSIS
Tras una década de relativa tranquilidad, un asesinato horroriza a los habitantes de Villa Salvación. Con el mundo muerto y sumido en frío y cenizas, Peter y Ketty no solo tendrán que hacer frente al terrible crimen: los albinos han regresado y no vienen solos.

EL AUTOR
Nació en Sevilla en 1980. En 2010 publicó su novela Y pese a todo…. Vaca Films, productora de Celda 211, la llevó al cine con coproducción estadounidense, dirección de Miguel Ángel Vivas (Secuestrados, 2011) y actores de Hollywood de la talla de Matthew Fox (Perdidos) y  Jeffrey Donovan (El intercambio) y la española Clara Lago. La novela también obtuvo el premio Nocte 2011 como mejor novela de terror española.

Garduño ha publicado, además, El hijo del Mississippi (2016), El arte sombrío (2013) y El camino de baldosas amarillas (2012).

Asimismo, ha escrito guiones de cortometrajes finalistas en el Festival de Sitges, el Festival Internacional de Cine Fantástico de París o en el WorldFest de Houston (Premio Remi). También ha coescrito un guión de largometraje junto a Tom Holland (El muñeco diabólico y Noche de miedo). En 2017 estrenó su primer cortometraje como director, Fe, con Víctor Clavijo y Eva Isanta, nominado en numerosos festivales españoles.
 
LA EDITORIAL
Palabras de agua es un proyecto editorial de Ana Coto Fernández, editora y escritora; Juan de Dios Garduño, editor y escritor, y Miren E. Palacios, escritora y poeta.

Su catálogo se centra en la literatura infantil y juvenil y de género, aunque también publica poesía o novela histórica.

Puedes contactar con nosotros en:
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Twitter: @PalabrasDeAgua1


















 










 
 


 

martes, 30 de mayo de 2017

comic; La colina del recuerdo. La última bruja

Los cuentos infantiles pasan de generación en generación. Algunas de estas narraciones han conocido diferentes adaptaciones, ya sea en series de animación o imagen real o trasladadas a la gran pantalla. La entrada de hoy sin formar parte de los cuentos clásicos, si que bebe bastante de éstos. Una historia plagada de amor, emoción, drama, magia y pequeñas dosis de humor, es decir, algunos de los ingredientes básicos de estos cuentos.

Comic creado por Allan J. Arcal y Enrike Valiente, la historia nos cuenta como en el mundo de Istria cerca del pueblo de Mercader, el niño humano Aidan conocerá a la pequeña bruja Mita con la que vivirá grandes aventuras, mientras esquivan la amenaza de las fuerzas de la oscuridad encarnadas en las figuras de Los Errantes.

Muy interesante historia en el que la magia está presente en todo momento. Ya en su primera página vemos un referente a El señor de los anillos, con un mapa que delimita los lugares donde tendrá lugar la aventura. Pero también me pareció apreciar un pequeño homenaje a El libro del cementerio de Neil Gaiman en un par de instantes. Y es que el creador de Coraline es uno de los grandes referentes en lo que a literatura fantástica se refiere.

En primer lugar voy a hablar de la historia y de los personajes. La trama de la lucha entre el bien y mal no es nueva, por lo que Allan ha preferido centrarse en los personajes. Tanto Aidan como Mita son dos personajes marcados por la tragedia, en su huida solo se tendrán el uno al otro. Aidan es un niño con mucha imaginación, con deseos de conocer todo lo que le rodea y con un gran corazón. Mita es la última bruja blanca, alguien con mucho poder pero que aún no ha aprendido a manejarlos del todo y le falta un gran trecho por recorrer para hacer frente a la gran amenaza que suponen Los Errantes.
El diseño de estos enemigos recuerda, y mucho, al de Los Dementores de Harry Potter o a Los nueve espectros del anillo de El señor de los anillos. Su única motivación es la de acabar con sus enemigos, para extender la oscuridad y el mal por el mundo de Istria. Para ello no se detendrán ante nada y serán capaces de las mayores atrocidades, como se puede ver en una de las viñetas más impactantes del comic.
Por último, pero no por ello menos importante, destacar a Alseida quien demostrará ser una gran aliada para los protagonistas. Su papel resultará determinante en los instantes finales del comic, en donde resultará de gran ayuda a nuestros protagonistas en su huida de Los Errantes.

Los dibujos del comic resultan impresionantes. Tanto por el diseño de los personajes como por algunas de las viñetas, uno no puede sino aplaudir el trabajo por parte del ilustrador. Enrike da una gran importancia a las expresiones de los personajes, en no pocas ocasiones vemos a los mismos expresar sus emociones. Las mismas están muy bien reflejadas por parte del ilustrador y son bastante realistas.
El uso del color es otro de los elementos a destacar. Buena parte del comic tiene lugar de noche o en parajes oscuros, por lo que el uso del negro adquiere una gran importancia y sirve de complemento para el resto de colores sirviendo de complemento y hacer que algunos momentos tengan mucha fuerza visual, y sirven para mostrar a los lectores tanto los momentos más dramáticos como los más épicos. A modo de ejemplo baste citar la que sirve de portada en el que se ve a Mita sobre un tejado en una pose superheroica, la aparición de Alseida ante nuestros protagonistas o el enfrentamiento entre ésta y Los Errantes. Son algunos instantes en donde uno se detiene más a fondo para apreciar el trabajo del ilustrador.

La única pega es que es la primera parte de una saga. Cuando todo empieza a ponerse muy interesante, los autores nos dejan con la miel en los labios y nos hacen esperar a la siguiente entrega. Y por la última viñeta parece ser que la continuación promete ser más épica y emocionante. Es como si lo mostrado en el primer tomo fuera la punta del iceberg, quedando mucho por desvelar y mostrar en futuras entregas. Si las continuaciones son tan, o al menos igual de interesantes que la entrada de hoy, pinta que los aficionados a la fantasía patria nos lo vamos a pasar muy bien.

Esta no es la primera ocasión en que la editorial Cazador de ratas se lanza a publicar un comic. Hace poco sacó Blasphemy, enclavado en el terror. Con esta nueva propuesta y con otras publicaciones apuesta fuerte por el terreno de la fantasía y el terror.

Si os gustan los comics de autores patrios y disfrutáis de la fantasía y la magia, este es vuestro comic.

viernes, 26 de mayo de 2017

libro: El olor de las hojas muertas

El fin del mundo suele ser uno de los temas recurrentes en la literatura y el cine. Ya sea en su faceta de acción, terror, drama o ciencia ficción la lucha por la supervivencia de los seres humanos es algo que se ha tratado en no pocas ocasiones. El protagonista de la entrada de hoy es un niño. Si ya de por si los adultos pasan las de Caín para sobrevivir, imaginad para una persona que todavía no se encuentra desarrollada.

Escrito por Sergio Moreno el libro nos cuenta como Darío, un niño de 11 años intenta sobrevivir solo en un Madrid apocalíptico y rodeado por unas extrañas criaturas a las que ha bautizado como silentes. Nadie sabe como comenzó todo, pero todo parece indicar que la aparición de una sombra sobre la luna y la caída constante de una lluvia roja fueron el detonante de la pesadilla.

El terror no es un género extraño para el autor, ya en su debut escogió este tema en una novela bastante interesante. Ahora en su nueva obra nos ofrece un libro de terror más orientado hacia la supervivencia en un entorno hostil. Algo ya tratado en otras obras como Soy leyenda o La carretera, por citar los primeros ejemplos literarios que se me han venido a la cabeza.

La acción de la novela tiene lugar en Madrid por lo que a los lectores les sonará, aunque sea de oídas, muchos de los sitios por los que pasa Darío. Localizaciones que suelen estar llenas de gente, se nos presentan desoladas y vacías debido al suceso que inicia el fin del mundo. El Madrid descrito por el autor es el de un paraje desolado, con edificios en ruinas y con la amenaza constante de los silentes, de apariencia espectral y armados con letales aguijones.

Los personajes son el gran acierto del libro, sobre todo en los casos de Darío y Kim quien ejercerá de segunda madre para el protagonista tras haber perdido a la suya en el inicio del fin del mundo. Darío se comporta acorde a su edad, con los miedos de verse en una situación que superaría a cualquier adulto pero multiplicados al verse indefenso y sin apenas ayuda, la cual le llegará cuando conozca a Kim. Éste será un personaje esencial en el devenir de los acontecimientos, y que al conocer a Darío aprenderá a dar carpetazo a un suceso de su pasado.
Otro dos personajes esenciales son Vicente y Pedro. El primero será uno de los villanos, cuya importancia en la trama se nos irá desvelando poco a poco y su rol se demostrará fundamental según se acerca el final del libro. Pedro es el padre de Darío y su papel irá ganando importancia de forma escalonada. Suyos son los instantes de más acción del libro, pero no esperéis una ensalada de tiros al uso. Pedro utilizará su intelecto para intentar salir airoso de una situación que ha pillado desprevenida a las fuerzas de seguridad españolas.

La novela tiene lugar en un espacio de apenas dos semanas, del 10 al 19 de septiembre. Mediante flashbacks se nos narra como la situación empieza a descontrolarse y afecta a los personajes ya mencionados. Aquí no esperéis escenas sangrientas o desagradables. Las mismas quedan reducidas al mínimo, el autor prefiere centrarse en las consecuencias y acciones que los personajes llevan a cabo. Es una novela de ritmo pausado, sin grandes escenas de acción pero en la que no paran de suceder cosas.

Los momentos más espectaculares del libro tienen lugar cerca de su final. Aquí el autor decide poner toda la carne en el asador, para ofrecernos una conclusión por todo lo alto. Todos los sucesos narrados en los capítulos anteriores han servido de calentamiento ante la traca final. Un final pocas veces visto en la literatura o el cine, lo que sin duda hay que aplaudir. Sergio elude el camino fácil y nos ofrece un final impresionante.

Una buena novela en la que se aprecia el cambio de estilo con respecto a la primera obra del autor. Donde se nota más madurez a la hora de tratar a los personajes y describirnos las situaciones por las que pasan. Una mezcla acertada de drama y terror, con pocas concesiones para el humor y con muchos instantes duros. Es un libro con un tono muy desesperanzador, en el que apenas hay instantes alegres. A lo largo de las páginas el autor no para de putear a los protagonistas, sin apenas concederles un momento de respiro con las consecuencias físicas y psicológicas que ello conlleva.

Si os gustan los libros ambientados dentro de un ambiente apocalíptico, en la que los personajes son lo más importante por encima de la acción éste es vuestro libro.





martes, 23 de mayo de 2017

libro: Drake

La entrada de hoy supone el debut de su autor en la literatura. Peter McLean es un escritor inglés que a la hora de escribir su primera obra ha decidido hacer una curiosa mezcla entre la literatura negra, la fantasía y unas gotas de terror para dar vida a su libro. Este cóctel da como resultado un volumen muy entretenido, y promete ser el primero de una serie de aventuras con el mismo protagonista en un Londres donde la magia y el misterio se encuentran ocultos a los ojos de aquellas personas ajenas al mundo paranormal.

Don Drake es un mago un tanto peculiar. Tras contraer una deuda de juego con el demonio Ajenjo, se verá obligado a cumplir una serie de tareas para saldarla donde recibirá la ayuda de su artículo mágico el Hombre en Llamas. Tras cumplir la primera se verá envuelto en una aventura en la que conocerá tanto a aliados como enemigos.

Uno de los elementos a destacar dentro de la novela es su personaje. Drake es un borracho, un perdedor, alguien que la caga una y otra vez con la que fue su pareja y también un irresponsable. Todos estos atributos son los primeros que a uno se le vienen a la cabeza cuando ha finalizado la lectura del libro. Y a pesar de ello es un tío por el que no puedes evitar sentir cierta lástima. Es un mago poderoso pero no ha sabido aprovechar su talento y es salvado, en no pocas ocasiones, por uno de los personajes principales del libro.
Desde el primer trabajo para Ajenjo Drake busca su redención. Pero la misma parece esquivarle una y otra vez. Nuestro protagonista es un personaje destrozado por dentro y tan solo busca encontrar algo para que su alma encuentre la paz que se le ha ido negando desde ese encargo.
Hacia el final del libro el autor nos ofrece como empezó la relación entre Drake y el Hombre en Llamas. Un vínculo que a la larga se nos mostrará como una unión en la que uno depende del otro, a pesar que la misma se demuestre nociva para nuestro protagonista tal y como sucedió con el anterior dueño de este objeto mágico.

Pero sin duda es el personaje de Trixie quien se lleva el gato al agua. Una mujer fatal un tanto peculiar, alguien que no necesita ayuda para sobrevivir y merece su novela en solitario. Cuando aparece consigue no solo robarle el corazón a nuestro protagonista sino también a los lectores. El autor apenas nos da un par de pinceladas acerca de su pasado, sin duda sería bastante interesante que se animara a sacar los orígenes de esta femme fatale tan sexy como mortífera.

Un héroe no es nada sin un villano al que enfrentarse. Nuestro protagonista tiene a varios a lo largo de su aventura,  cada uno más peligroso que el anterior. Ajenjo queda como un niño de teta ante la amenaza que suponen Ally y sus amigas, tres personajes muy peligrosos cuyo origen se encuentra dentro de la mitología griega. A estos dos malosos se les suma Adam, quien sin duda tendrá mucho que decir en futuras aventuras del protagonista si éstas se siguen publicando.

La narrativa por parte del autor es bastante ágil. McLean se vale de la primera persona, una de las características principales dentro de la literatura negra, para que sea el propio protagonista quien narre a los lectores lo que le va pasando. Algo que la mayoría de veces suele ser malo, a lo largo de las páginas, y en no pocas ocasiones, vemos a Drake ser apalizado y torturado. Se pasa más tiempo con cicatrices y resaca que sobrio y sin marcas.

Mientras avanzaba en la lectura, no podía dejar de pensar en la cantidad de influencias que ha recibido el autor a la hora de dar vida a su obra. Además de las mencionadas en la contraportada, otros homenajes que me pareció detectar fueron a Constantine, imposible no acordarse de este detective de lo paranormal inglés, al universo de Lovecraft o las criaturas que aparecen en la serie Sobrenatural.

Dos fueron los momentos que más me gustaron dentro del libro. Sin reventar nada de la trama el primero de ellos tiene como protagonista a Drake siendo torturado y salvado in extremis. El segundo envuelve a nuestro protagonista y a los personajes de Ally y Trixie. Éste instante está muy cargado de acción y narrado con un lenguaje muy cinematográfico. Uno puede cerrar los ojos cuando ha leído este pasaje, e imaginarse a los personajes en la gran pantalla ejecutando los movimientos que nos acaba de describir el autor.

El único pero que se le puede poner es que el personaje de la antigua pareja de Drake, Debbie, poco a poco vaya desapareciendo de la trama. Sin duda podía haber dado mucho más de si, pero desde la aparición de Trixie y Ally su importancia se va evaporando. Una verdadera pena ya que es un personaje muy rico y que forma parte del pasado de Drake.

Una novela recomendada para todos aquellos que busquen una lectura dinámica y divertida, que se devore con rapidez y te deje con ganas de conocer más aventuras de sus protagonistas.

Tal y cómo ocurre con El que se esconde de Tony Jiménez, este libro cuenta con tres ilustraciones que son una pasada a cargo de Daniel Medina y que nos muestran tres de los momentos más impactantes dentro de la novela. El volumen también cuenta con un pequeño ensayo obra de José Ángel de Dios, donde se nos ofrece un acercamiento al mundo de la alquimia. Este texto está complementado por una serie de fotografías de personajes y elementos que sirvieron de inspiración al autor a la hora de crear su novela.







sábado, 20 de mayo de 2017

serie: Ultimate Spiderman

Spider-Man es uno de los superhéroes más famosos de todos los tiempos. A lo largo de sus más de 50 años de historia ha conocido multitud de adaptaciones, ya sea en películas de imagen real o en forma de series de animación. Una de estas últimas es la protagonista de la entrada de hoy, donde el humor y la acción son los principales elementos de un show animado que contó con 104 episodios repartidos a lo largo de 4 temporadas. Así pues es la hora de volver a ponernos nuestros lanza telarañas para volver a balancearnos por Nueva York y detener a los villanos.

La serie nos cuenta como Spider-Man comienza a trabajar y entrenar para SHIELD bajo las órdenes de Nick Furia, para hacer frente a las amenazas de diferentes supervillanos. Para ello liderará un equipo formado por Puño de Hierro, Nova, Tigre Blanco y Luke Cage. Todos juntos harán frente a enemigos como Norman Osborn y a su álter ego El duende, El Escarabajo o Doctor Octopus. A lo largo de las temporadas nuevos adversarios irán apareciendo como Veneno, Electro, Matanza o Kraven El Cazador. Pero nuestros protagonistas no estarán solos, puesto que contarán con la ayuda de aliados como Capa y Puñal, Agente Venom o Iron Spider entre otros.

Dos son los elementos más característicos de esta serie. El primero es que Spider-Man, o en algunos casos Peter Parker, rompen la cuarta pared para dirigirse al público tal y como hacía Ryan Reynolds en Deadpool. Algo que, si la memoria no me falla, no suele ser habitual dentro de las series de animación de superhéroes. El segundo es la presencia constante de un humor que, en no pocas ocasiones, ralla en lo absurdo. Algo que a mi me encanta, pero que a los detractores de la serie no le hacía ninguna gracia. Pero resulta complicado no echarse alguna carcajada que otra, con los chistes o gags visuales que van apareciendo a lo largo de los episodios.

En las dos últimas temporadas de la serie el humor sigue estando presente, pero la serie va volviéndose más seria. Incluso aparecen unas gotas de drama, necesarias para emocionar a los espectadores pero sin llegar a ser lacrimógenas. Según avanza la serie, su protagonista principal va madurando y siendo consciente de sus decisiones. El Spider-Man de los dos últimos episodios no tiene nada que ver con el de los primeros. A lo largo de las temporadas se ha ido enfrentando a amenazas que le han hecho crecer y dejar de lado ese lado guasón y algo irresponsable que tenía al principio.

En las dos primeras temporadas el arco argumental envuelve a Norman Osborn y Doctor Octopus, pero algunos capítulos de la segunda temporada servirán para descubrir más acerca del pasado de los compañeros de nuestro protagonista. Durante las temporadas tres y cuatro varios capítulos formarán parte de una saga, en la que nuestro héroe tendrá que enfrentarse en diferentes episodios a una misma amenaza en ocasiones solo o contando con la ayuda de aliados.

Una de las características que poseen las nuevas series de Marvel, es que no resulta raro ver a personajes, ya sean héroes o villanos, haciendo cameos en shows que no son suyos. De esta forma Los Vengadores aparecen en un par de ocasiones, lo mismo que Doctor Extraño, Lobezno e incluso Loki se deja caer en un par de ocasiones para hacerle la puñeta a nuestro protagonista. Para devolver el favor Spider-Man hace lo propio apareciendo en Hulk y los agentes de S.M.A.S.H o en la ya citada Los Vengadores.

Si hay algo que destacar dentro de las nuevas series de Marvel son la animación, bastante buena, y el trabajo de los dobladores. En este aspecto la serie cuenta con algunas grandes figuras en este campo como Fred Tatasciore, voz de Hulk entre otros trabajos, Misty Lee, como la Tía May, o Tara Strong como Mary Jane. Pero también aparecen las voces de Chi McBride como Nick Furia y las de J.K. Simmons y Clark Gregg, quienes prestan sus voces a los personajes de JJ Jameson y el agente Coulson que ya interpretaron en las cintas de Sam Raimi de Spider-Man y en las dos primeras partes de Iron Man respectivamente.

Pero no todo va a ser perfecto. Los más puristas del cómic critican, y con razón, que algunos personajes esenciales dentro de la vida de Spider-man no aparezcan, como ocurre en el caso de Gwen Stacey,  que sea Mary Jane la interesada en ser periodista o que se haya cambiado su forma de ser como ocurre en el caso de la Tía May. En el original es una anciana, aquí es una mujer que no para quieta en ningún momento. También se ha criticado el hecho de ser demasiado infantil o que no respeta del todo el universo del arácnido. Parte de las críticas las entiendo y comprendo, pero estamos hablando de una serie hecha para niños y que resumir los más de 50 años de historia de un personaje no resulta fácil en absoluto, por lo que sus creadores han decidido destinar su producto a una audiencia de corta edad y ofrecer un producto ligero y divertido. Es una nueva forma de ver a este personaje, y sus responsables han querido dar a conocer su visión del mismo.

Es una serie que recomiendo ver para los que seáis fans de las series de superhéroes de Marvel, es una serie para ver con los ojos de un niño y dejarse llevar por las aventuras de uno de los iconos de la factoría de las ideas. Al menos hay que agradecer que la serie no fuese cancelada y tiene un final cerrado. Pero si sois muy puristas del personaje no la veáis, puesto que echareis sapos y culebras al ver el trato que ha sufrido el personaje.


jueves, 18 de mayo de 2017

pelicula: Acero puro

Richard Matheson es uno de los maestros de la literatura fantástica y de terror. Sus novelas han sido  adaptadas al cine en varias ocasiones, como ocurrió con Soy leyenda o El último escalón por citar los ejemplos más famosos. Pero también sus relatos fueron adaptados a la gran pantalla como ocurrió con Duel, conocida en nuestro país como El diablo sobre ruedas, Pesadilla a 20.000 pies o la que es la entrada de hoy Acero puro.

Dirigida en 2011 por Shawn Levy y guión de John Gatins la historia nos cuenta como en un futuro cercano  los combates de boxeo han sido prohibidos, por lo que los robots toman el lugar de los boxeadores. Charlie Kenton (Hugh Jackman) es un antiguo púgil que ahora malvive con las apuestas de robots, cuando su ex mujer fallece se hará cargo de la custodia de su hijo Max (Dakota Goyo). Pero el descubrimiento fortuito de Max en un desguace del robot Atom supondrá para Charlie la oportunidad de retomar la relación con su hijo, y de paso alcanzar el éxito que no consiguió.

Además de los actores mencionados también aparecen Evangeline Lilly como Bailey la nueva pareja de Charlie, Hope Davis en el rol Debra la tía de Max y James Rebhorn interpretando a su rico marido Marvin y Anthony Mackie es Finn, un corredor de apuestas amigo de Charlie.

Interesante cinta de ciencia ficción que tiene en Hugh Jackman uno de sus grandes alicientes. El actor australiano se basta para sostener esta película con su carisma habitual. Aquí interpreta a un perdedor a quien la vida concede una segunda oportunidad. Es alguien sin muchos motivos para seguir adelante, hasta que la llegada de su hijo le hará ver la vida de otra manera.

Cómo no podía ser de otra forma al tratarse de una película de ciencia ficción, el uso de los efectos especiales es notable. En todo momento los robots lucen bastante reales, que es de lo que se trata cuando uno ve un film de estas características. En su segundo visionado estuve a punto de levantarme de la silla en el último asalto entre Atom y Zeus, que recuerda al mantenido por Sylvester Stallone y Carl Weathers en el primer Rocky, para animar a Atom.
Precisamente es ésta cinta de Stallone junto con Yo, el halcón también protagonizada por Sly donde uno encuentra las semejanzas con la película dirigida por Levy. Es como si en una batidora hubieran mezclado ambas producciones junto con el relato de Matheson y el resultado final es el que llegó a las pantallas.
La carga dramática queda compensada por los espectaculares combates y por unas gotas de humor. Sus responsables supieron equilibrar el drama con el resto de elementos, de esta forma la película consigue emocionar sin llegar a ser lacrimógena del todo.

La cinta supone un homenaje al cine familiar de la década de los 80. Treinta años después sus responsables han hecho una cinta que recuerda a las producciones de esta década, salvando las distancias por supuesto, y que hacían las delicias de los niños de la época. Son películas donde las relaciones entre los personajes resultan creíbles, y consiguen mantener la atención de los espectadores de todas las edades.

La película sirve para que los adultos dejen salir a su niño interior. Resulta complicado no emocionarse, como he indicado unos párrafos atrás, con el combate final entre Zeus y Atom y los previos que Atom va disputando hasta llegar al final boss. Son peleas bien rodadas y sirven para ir estrechando la relación entre padre e hijo.

No es una película perfecta, dista mucho de serlo. Pero cumple con el objetivo de entretener a los espectadores, y lo hace de sobra. Sus dos horas de duración pasan en un suspiro, los actores realizan buenos papeles a sabiendas de que no ganarán grandes premios por sus interpretaciones y el uso de los efectos especiales justifican el visionado.

En resumidas cuentas:
Lo mejor: Jackman y el uso de los efectos especiales.
Lo peor: nada destacable.
La secuencia: el round final entre Zeus y Atom.
Lo(s) momento(s): el descubrimiento de Atom, Jackman enseñando movimientos de boxeo a Atom.
La imagen: Max sobre los hombros de Chris tras conocer el veredicto de los jueces en el combate final.
La frase: ¿Sabes que le estás hablando a un robot no?

A continuación el trailer:


 

martes, 16 de mayo de 2017

documental: cuando se acaba el porno

La industria del porno genera millones al año. Es un género con sus propios premios, con sus festivales y un salón de la fama donde se premian a las estrellas más famosas de este mundo. Pero ¿Qué ocurre cuando sus actores y actrices deciden alejarse e iniciar una nueva vida alejada de la pornografía? El presente documental nos ofrece las respuestas, y nos presenta la cara más amarga de una industria donde sus estrellas tienen una vida corta.

Dirigido por Bryce Wagoner, el documental presenta a los espectadores mediante una serie de entrevistas a algunas de las estrellas más conocidas como Asia Carrera, Raylene, Houston, Crissy Moran o Randy West entre otros como fue su paso por esta industria. A través de sus testimonios conoceremos como se iniciaron en este mundo, sus excesos con las drogas y el alcohol y como entablaron amistad.

Interesante documental que nos permite conocer los entresijos de esta industria y ver como son algunas de sus máximas estrellas en realidad. Una vez se han alejado de la pornografía algunos han quedado como muñecos rotos, y les cuesta llevar una vida normal al ser reconocidos como estrellas de este género. Esto hace que encuentren dificultades a la hora de encontrar trabajos, puesto que sus jefes no quieren que el nombre de la empresa se vea "manchado" por tener contratada a una persona cuyo empleo anterior estuvo relacionado con el sexo, según declara Houston en un momento de la cinta.

Esto no deja de resultar bastante irónico e hipócrita, tal y como declaran en un par de momentos del documental Bill Mangold, historiador del porno y antiguo trabajador de la industria, y Randy West. Así, el segundo explica que la única forma para donar su dinero para obras de caridad es participar como golfista en eventos para recaudar fondos con fines sociales ya que su dinero no resulta bien visto al venir de la pornografía. De igual forma piensa Mangold, quien habla de la dificultad de las antiguas estrellas en ser contratadas en empleos normales por aquellas personas que vieron sus películas.

Algunas de las estrellas entraron en el mundo gracias a contactos, otras al haber posado para la revista Hustler, propiedad del magnate del porno Larry Flynt como ocurre en el caso de Amber Lynn, o al venir de un hogar roto como ocurre en el caso de Shelley Lubben, cuyo nombre artístico era Roxy, que se dedicó a la prostitución para ganarse la vida antes de entrar a la industria. Su relato es uno de los más duros con diferencia del documental.

Una de las cosas más interesantes del documental, aparte de las declaraciones, es que apenas ofrece imágenes de las estrellas "en acción" ejerciendo su profesión. Lo que al director le interesa es mostrar como es su vida ahora, alejada de la fama y de esta industria.

Algunas de estas estrellas como la ya mencionada Shelley Lubben o Chrissy Moran reniegan de su pasado como actrices porno. Incluso en el caso de Lubben ha iniciado una cruzada para erradicar la industria, lo que le ha llevado a declarar en el Congreso. Otras por contra no lo hacen como Randy West, Seka o Richard Pacheco e incluso los hijos de algunas de estos intérpretes no se avergüenzan del pasado de sus padre, como ocurre con la hija de Pacheco.
Otras han tenido que hacer frente a una tragedia personal como ocurre con Asia Carrera, cuyo marido falleció en un accidente de tráfico y tuvo que recurrir a las donaciones de sus seguidores para poder sacar a su hija adelante.

Un documental duro que nos presenta a unas estrellas que se desnudan frente a la cámara, a las que en no pocas ocasiones vemos emocionarse a las mujeres e incluso llorar cuando recuerdan hechos  dolorosos de su pasado. Se muestran a los espectadores tal y como son, sin interpretar ningún papel. Son hombres y mujeres que apenas conocen otro modo de ganarse la vida, y que han de regresar al mismo cuando se ven en apuros económicos como ocurre en el caso de Raylene.

Precisamente en un momento del documental mencionan el dinero y la cantidad que las estrellas pueden ingresar a lo largo de su corta carrera. Entre una actriz normal y una superestrella su promedio oscila entre los 2 y los 8 años dependiendo del caso. Por ello y conociendo la corta carrera que tienen por delante, las actrices intentan intervenir en el mayor número de títulos posibles además de aparecer en portadas de revistas, ir a salones eróticos o prestar su imagen para muñecas hinchables o líneas de productos eróticos. Tratan de hacer el mayor número posible de dinero, para luego intentar llevar una vida más o menos desahogada. Lo que a veces no les sale bien y tienen que volver a actuar.

Un documental imprescindible para todos aquellos que quieran conocer más acerca de la industria del porno y de sus estrellas. Conoció una segunda parte de próxima aparición en este blog.

A continuación el trailer:








domingo, 14 de mayo de 2017

documental:¿Qué invadimos ahora?

Michael Moore es un cineasta que suele poner el dedo en la llaga en los temas más polémicos de su país. Si en ocasiones anteriores mostraba en diferentes documentales el uso de las armas, el fraude en las elecciones de George Bush, el capitalismo en su país o el mal funcionamiento de la sanidad en los Estados Unidos, ahora vuelve a la carga con una cinta en la que decide coger lo mejor de cada país para implantarlo en la conocida tierra de las oportunidades.

Estrenada en 2015, la cinta nos cuenta como el director decide "invadir" diferentes países de Europa y África entre los que se encuentran Italia, Francia, Alemania, Finlandia, Portugal, Eslovenia, Islandia o Túnez para coger lo mejor de ellos e intentar solucionar los problemas de Estados Unidos.

Michael Moore es un cineasta que hace de la ironía y de un uso del montaje criticado por sus detractores, sus dos principales señas de identidad. Es un director que no se corta a la hora de mostrar las vergüenzas de su país y de mostrárselas al mundo entero. Lo que supone una bofetada a todos aquellos que quieran emigrar allí en busca del llamado "sueño americano".

A través de las diferentes "invasiones" de los países mencionados, Moore no da crédito al saber que los trabajadores disfrutan de vacaciones pagadas como en Italia, que el comedor infantil de Francia ofrece un menú variado, como la educación universitaria en Eslovenia resulta gratuita incluso para los extranjeros o como Finlandia acabó siendo el número uno en educación tras ser de los últimos en enseñanza junto con los Estados Unidos. Por ello decide tomar todo esto y llevárselo a su país, para intentar que estos elementos hagan de su patria un lugar mejor.
Claro que esto es un arma de doble filo, puesto que Moore solo enseña lo bueno y obvia lo malo. Tal y como se dice en un momento del documental se "recogen las flores y no las malezas". Y esto es algo que los detractores del director utilizan para criticarle, con mucha razón, ya que los países que "invade" a lo largo del metraje tienen sus propios problemas.
Lo más irónico de todo es que todas estas soluciones que Moore quiere llevarse, tuvieron su origen en los Estados Unidos. Los países "invadidos" las pusieron en práctica y las mejoraron. Las soluciones ya estaban ahí, pero no se supieron ver o aplicar. Algo de lo que el director toma buena nota.

Michael Moore es un personaje peculiar. Como se suele decir "si no existiera, habría que inventarlo". Moore es un sujeto al que le gusta el "salseo", alguien a quien le gusta tocar las narices, por decirlo de manera educada, y mostrar al mundo aquello no le gusta de su país. Es un director que cuenta con seguidores y detractores, pero es un personaje necesario al menos en mi opinión. Hacen falta cineastas como él para mostrarnos la cara más amarga de los países, no solo de Estados Unidos sino también del resto del mundo. Sin ir más lejos en nuestro país tenemos a Jordi Évole, que mediante entrevistas se dedica a hacer una crítica social de los problemas que preocupan a la sociedad.

Pese a sus horas de duración es un documental que no se hace pesado. A pesar del interesante punto de partida la cinta no termina de ser más redonda, y queda por debajo de otros filmes del director como Bowling for Columbine o Fahrenheit 9/11, sus mejores trabajos al menos en mi opinión.

Un buen documental que permite reencontrarnos con Moore tras un par de años de silencio y que coincidieron con la presidencia de Obama.

 A continuación el trailer: