sábado, 31 de diciembre de 2016

cortometraje: Y la muerte lo seguía

Cómo ya ocurrió hace un par de entradas, hoy de nuevo se vuelve a reseñar un cortometraje del director de Behind cambiando en esta ocasión el género de terror por el del spaghetti western. Un corto que supone un homenaje nada disimulado a este tipo de cine en el que sobresalen nombres propios como Sergio Leone, (El bueno, el feo y el malo) Sergio Corbucci (Django) o Enzo G. Castellari (Keoma) por citar algunos nombres y algunas de las cintas más características de esta clase de cine. La entrada de hoy se pudo hacer gracias a que pude adquirir un DVD que me mandó el director y en donde te vienen el resto de sus trabajos, que no tardarán en aparecer por este blog.

Dirigida en 2012 por Ángel Gómez Hernández que también escribe el guión junto con Ángel Gómez Rivero y basado en el relato del segundo, el argumento del corto es el siguiente: el joven Johnny (Gonzalo Ramos) se dirige a su nuevo trabajo cuando por la noche, oirá el relato de un viejo indio (Lawrence Burton) sobre la persecución de Fred Carlson (José María Galdeano) tras el pistolero conocido como El Holandés (Peter Van Randen) que asesinó a su esposa.

Tal y cómo se puede ver por la trama, la historia sigue más o menos los patrones del spaghetti western con un personaje buscando venganza tras la persona que mató a un ser querido. El director nos presenta a un personaje en busca de venganza, que ya no tiene nada que perder en este mundo y que ha dejado atrás cualquier sentimiento noble al haber muerto su esposa. Lo único que le mueve es la rabia y la ira, y no dudará en usar ambas con tal de conseguir información que le acerqué al asesino de su amada.

El Oeste que nos presente el realizador es un mundo donde los inocentes apenas tienen sitio, y en el que los forajidos, cazadores de recompensas o prostitutas campan a sus anchas. Nos presenta un universo alejado de westerns más clásicos en los que las diferencias entre buenos y malos estaba muy marcada. En los spaghetti westerns en no pocas ocasiones, cuesta separar un bando del otro.

Además de los actores ya citados, mencionar a otros intérpretes veteranos del cine y televisión como Macarena Gómez, en el rol de Mary una prostituta de saloon, Manuel Tallafé, como un barman en el lugar donde trabaja Mary, Pedro Casablanc, un borracho que pondrá a Fred tras la pista del Holandés o Javier Botet como El Manco.

Una vez más hay que resaltar los medios técnicos y humanos utilizados a la hora de realizar el corto. En el primero se incluyen entre otros una cámara Red One, un pequeño helicóptero para las tomas aéreas o gruas. Y esto es algo que se nota en el resultado final, cuya factura técnica es bastante evidente. Hasta en un par de ocasiones utilizan efectos digitales, unos más acertados que otros.
En el segundo además de los extras, los profesionales de diversas especialidades en diversos aspectos relacionados con el cine, como fotografía, sacando partido de las localizaciones, maquillaje, música que recuerda a las partituras compuestas por Morricone para la trilogía del dolar de Leone o iluminación, hicieron posible que la propuesta de su director llegara a buen puerto.

Al tratarse de un spaghetti western se rodó, como no podía ser de otra forma en el pequeño Hollywood de Almería, pero también en localizaciones de Campello en la provincia de Alicante. Al ver los decorados almerienses uno siente nostalgia, al recordar los lugares donde Clint Eastwood y compañía hicieron las delicias de grandes y pequeños años ha.

Si bien todo el corto es un spaghetti western, hacía su final da un giro hacia el terror con elementos sobrenaturales. Algo que ya se empieza a intuir con el homenaje nada disimulado a dos lugares clave dentro de la literatura de horror, como son Providence y Arkham. Hogar de nacimiento y espacio donde transcurren parte de sus relatos respectivamente de Howard Philips Lovecraft.
Al hacer el giro hacia el  terror, no pude evitar acordarme de la novela westernhorror española Cazadores de vampiros de Lem Ryan, en el que estos dos géneros se daban la mano para ofrecer un buen entretenimiento a sus lectores. Si bien aquí el villano es humano, nos lo retratan como si fuera alguien con un caracter sobrenatural.

Uno de mis momentos favoritos del corto sin lugar a dudas es el plano cenital de Fred cabalgando, mientras se superpone un mapa que le irá acercando más al Holandés. Al verlo recordé a cierto arqueologo viajando por el mundo, mientras un avión nos indica su posición y su punto de destino.

Tal y como ocurrió con Behind, Y la muerte lo seguía fue galardonado en los diversos festivales a los que se presentó, como el Iberoamericano o el de Grecia. Además de haber formado parte de la sección oficial de Sitges en el año 2012.

Un corto poco conocido y que los aficionados al spaghetti western no deberían dejar pasar, puesto que supone un homenaje a este género cinematográfico que cuenta con no pocos adeptos.

A modo de regalo dentro de la edición en DVD se incluye el relato en el que se basa el corto y en donde se nos aporta información que sirve de complemento a lo visto en pantalla.

En resumidas cuentas.
Lo mejor: Fred y el Holandés.
Lo peor: el momento de la moneda girando.
La secuencia: el enfrentamiento final entre Fred y el Holandés.
El plano: Fred cabalgando hacía su destino mientras un mapa se superpone.

A continuación el trailer:


Os deseo que tengais una feliz entrada y salida de año.

jueves, 29 de diciembre de 2016

libro: El niño que quería ser un goonie

Cuando en1985 se estrenó Los Goonies dirigida por Richard Donner, todos los que vimos esta cinta alucinamos. Nos hubiera gustado formar parte de esa pandilla, que viven una aventura inolvidable a la busqueda de un tesoro antes de separarse para siempre. A modo de homenaje el autor de la entrada de hoy, se ha inspirado en esta película para traernos el que es hasta  ahora su último trabajo como escritor. Un cóctel que incluye aventuras, acción,  misterio y gotas de terror con el que el creador de la saga El cuarto jinete vuelve a dar muestras de su estilo narrativo muy próximo al cine.

El argumento del libro nos cuenta como Yago se traslada con su madre Almudena y su hermano Toño a un complejo hotelero llamado El Nirvana, donde no tardará en hacer amigos. Pero bajo lo que parece ser un lugar de ensueño se esconde una pesadilla, como no tardará en averiguar nuestro protagonista.

Ya desde el primer episodio en el que se nos narra la llegada de nuestro protagonista al complejo, nos encontramos metidos de lleno en la trama. Con tan solo un capítulo el autor ya nos ha atrapado y no va a soltarnos hasta que acabemos la lectura. Poco a poco Víctor va mostrando sus cartas, desvelando nuevos datos que tendrán su importancia en el devenir de los acontecimientos, consiguiendo que estemos enganchados a las peripecias de lo que sucede en el Nirvana.

Los personajes están muy bien construídos,cada uno con su propia personalidad: el bocazas, el chulito de gimnasio, el gordito que tiene miedo de todo, el que tiene mucha imaginación o el que vive pendiente del móvil. Los protagonistas suponen una actualización con respecto a los protagonistas de la cinta de Donner, lo que el autor ha hecho es trasladar sus aventuras a nuestros tiempos con lo que ello supone. Todos ellos se complementan en el momento en que la aventura comienza, aportando sus habilidades a la hora de esclarecer el misterio que rodea al complejo hotelero.

A medida que avanzaba en su lectura creía saber por donde iban los tiros. Creía estar ante un homenaje a Las poseídas de Stepford de Ira Levin o a La invasión de los ladrones de cuerpos de Jack Finney, ya que las pistas que había ido dejando el autor así lo indicaban. Nada más lejos de la realidad, al descubrirse el giro argumental todo lo que pensaba se vino abajo cual castillo de naipes.

Es precisamente a partir del giro y en los capítulos finales donde Víctor pone toda la carne en el asador, ofreciéndonos a partir de ese instante toda una consecución de momentos de acción y aventuras que rinden un sincero homenaje no solo al título de la película de Richard Donner, sino también a la saga de Indiana Jones. Esta es sin duda la mejor parte del libro, la que hace que queramos entrar en el mismo y ayudar a los protagonistas a salir airosos de la aventura que están viviendo.

En un libro en el que el misterio es la nota predominante, sorprende ver un par de instantes bastante sangrientos que rozan el gore. Ambos tienen lugar fuera de Javea y rompen lo que era hasta ese momento era suspense. Esto puede descolocar en un principio, al contarnos situaciones que en apariencia no guardan relación ninguna con lo que hasta ese momento hemos leído. Pero como se nos desvelará más adelante, todo está conectado.

Con este nuevo trabajo el autor se aproxima bastante a las novelas juveniles de Los cinco o Los siete secretos, salvo por los instantes arriba mencionados y una secuencia subida de tono. Esto supone un cambio de registro en la carrera de Víctor, en el que el género de terror y suspense han sido la nota predominante, si exceptuamos la incursión en la ciencia ficción que supuso Orilla intranquila. Salvando las distancias, se puede decir que el libro es la novela que hubieran podido escribir RL Stine, el creador de la serie Pesadillas, y Stephen King en el hipotético caso de haber trabajado juntos.

Con este nueva publicación, la editorial Kelonia se confirma como una editorial que apuesta fuerte por la literatura fantástica y de terror escrita por autores españoles, cuidando tanto la maquetación como las portadas.

Un libro muy entretenido y que supone un buen broche de oro a las reseñas de los libros de este año 2016 que está a punto de finalizar.


miércoles, 28 de diciembre de 2016

cortometraje: Behind

Hoy aparece por aquí un cortometraje que donde se ha estrenado ha triunfado. Prueba de ellos son sus 31 premios en diferentes categorías y las 71 nominaciones que lleva detrás suyo en tan solo cuatro meses desde su distribución. Una vez visto uno no puede sino coincidir y aplaudir esta pequeña historia de terror, que bajo una premisa sencilla consigue mantener a los espectadores en tensión desde que comienza hasta su final. Desde aquí agradecer a su director el haberme mandado una copia para poder reseñar su obra.

Escrito y dirigido  por Ángel Gómez Hernández el cortometraje nos cuenta como Arianne (Macarena Gómez) teme que su ex marido Samuel (voz de Víctor Clavijo) se lleve a su hija. En una fiesta de cumpleños infantil en casa de su hermana Carol (Ruth Díaz), conoce a Leonor (Lone Fleming) que le informa que nota una misteriosa presencia tras la mujer. Al llegar a casa comenzará la pesadilla.

Una historia de terror con ecos no solo a las historias de Alfred Hitchcock presenta, En los límites de la realidad o Historias para no dormir, sino también a las dos entregas de Expediente Warren y un homenaje a El Gabinete del Doctor Caligari. Lo que Hernández ha rodado se ha visto antes, pero el realizador lo hace de forma que consigue mantener la atención del espectador en todo momento.

Varios son los aspectos a destacar dentro de esta producción. En primer lugar el reparto donde sobresale Macarena Gómez, que vuelve a confirmarse como una de nuestras reinas del grito patrio tras haber actuado en Musarañas, Dagon: la secta del mar o Para entrar a vivir. La actriz realiza un tour de force interpretativo, que le ha valido unos cuantos premios por su papel en Behind, dándolo todo desde el minuto uno. Nadie como ella para dar vida a mujeres de aspecto frágil pero luchadoras hasta el final, que no se detendrán ante nada para conseguir su objetivo.
En el resto del reparto tenemos a Lone Fleming, otra de nuestras reinas del grito más famosas, que aprovecha sus breves instantes en pantalla para poner sobre aviso acerca de la amenaza que acecha a Arianne ; Ruth Díaz que observa con preocupación la etapa por la que está atravesando Arianne; Víctor Clavijo cuya presencia se intuye en todo momento pese a que se no aparece físicamente en todo el corto y por último Javier Botet, que tiene a su cargo el rol del monstruo. Botet es un nombre ligado a nuestro fantástico más reciente, recordado sobre todo por su papel como la niña de Medeiros en REC, en Las brujas de Zugarramurdi o Mamá.

En segundo lugar el equipo técnico del que se ha rodeado el realizador es de primer orden. Desde Pablo Rosso, director de fotografía que ha colaborado en títulos como Mientras Duermes o la ya mencionada saga REC. En el corto aporta su experiencia dando al corto unos tonos fríos, acorde con la atmósfera agobiante que ha querido otorgarle el director.; pasando por Miguel Ventura como montador otorgando un buen ritmo al cortometraje; Antonio Naranjo se encargó de maquillar al personaje de Botet otorgándole un aspecto bastante inquietante; Diego Latorre en los bocetos; Oscar Araujo a cargo de la banda sonora o Arancha Domingo en el diseño de producción. Para saber más acerca del equipo pinchad en el siguiente enlace: http://behind.apps-1and1.net/

Y por último pero no por ello menos importante es la labor llevada a cabo por su director, tanto en la faceta de guionista como realizador. A pesar de su juventud cuenta con una amplia experiencia tanto en publicidad como en el mundo del cortometraje, habiendo sido galardonado en diversas ocasiones por su labor tras las cámaras.

La atmósfera que rodea al corto se va tornando más opresiva a medida que avanza el mismo. Desde el momento en que Arianne llega a su casa empieza a notar que algo no marcha de forma correcta. ¿Se ha visto influenciada por las palabras de Leonor? ¿Hay realmente alguna presencia en su casa que quiere llevarse a su hija? ¿Es todo fruto de su imaginación como se nos insinúa en un par de ocasiones a lo largo del metraje o está pasando de verdad? Todo esto queda a opinión de la audiencia, quedando la conclusión abierta a los espectadores.

Un corto a descubrir y en el que su realizador presenta su candidatura como director dentro del cine fantástico y de terror en nuestro país.

En resumidas cuentas:
Lo mejor:Todo.
Lo peor: Nada.
Los instantes: la aparición del monstruo y Arianne observando la cámara de fotos.
El plano: el que cierra el corto.


A continuación el trailer:

martes, 27 de diciembre de 2016

pelicula: Siete años

Estrenada hace apenas dos meses en la plataforma Netflix, la entrada de hoy supone la primera cinta rodada en castellano por esta productora que nos ha traído series como Daredevil o Luke Cage por mencionar un par de ejemplos. El film es un muy buen thriller y una verdadera sorpresa, lástima que no haya sido tenido en cuenta de cara a los próximos premios Goya al haberse estrenado en televisión. Puesto que tanto la dirección, como el guión y los actores hubieran merecido estar nominados.

Dirigida por Roger Gual y con guión de José Cabeza y Julia Montana, el argumento de la cinta es el siguiente: Vero (Juana Acosta), Luis ( Paco León), Carlos (Juan Pablo Raba) y Marcel (Alex Brendemühl) son cuatro socios de una empresa de éxito que se enfrentan a una auditoria tras haberles descubierto que desviaban fondos a un paraíso fiscal. Con la ayuda del mediador José Veiga (Manuel Morón), decidirán quién se sacrifica por sus compañeros y pasar 7 años en prisión. Las tensiones y reproches no tardarán en aparecer.

Cinta rodada en una única localización por lo que el ambiente claustrofóbico no tardará en hacer mella en los cuatro socios y mostrarnos sus secretos más ocultos, su cara más codiciosa y egoísta. Esta faceta de enseñar los aspectos menos amables de las personas se pudo ver en Felices 140, en la que unos amigos no dudarán en quedarse con el dinero del premio de la lotería, con el que ha sido agraciada su amiga de toda la vida.

Sin lugar a dudas uno de los aspectos a destacar es la interpretación llevada a cabo por los actores. Este film supone un regalo para cualquier intérprete, en donde pueden dar rienda suelta a su talento y probar otras facetas a las que no se habían enfrentado antes. En este aspecto sorprende Paco León, a quién los espectadores relacionan sobre todo con el humor y que aquí nos ofrece una gran actuación, volviendo a demostrar una vez más el dicho que reza "los mejores actores dramáticos son los cómicos". Cada uno de los intérpretes dispone de su momento de lucimiento por lo que todos están a un gran nivel. A medida que la trama avanza, su faceta más íntima y real se irá descubriendo. Baste citar como ejemplo el personaje de Acosta y su evolución de mujer fría con todo bajo control, a alguien totalmente opuesto según se acerca el final.

El guión es sin lugar a dudas lo mejor de la película. Cuenta con no pocos giros y sorpresas que se van descubriendo a medida que la tensión y la desconfianza van creciendo entre los socios. No dudarán en sacar todo lo que se llevan callando durante años, para salirse con la suya e intentar eludir su ingreso en prisión. Son personajes ricos y con muchas capas, en esta historia no hay buenos ni malos. Todos miran por su propio interés y no dudarán en destruir su amistad con tal de evitarse ir a la cárcel.

El escrito nos muestra las miserias del ser humano, y de como los que en apariencia demuestran ser los más débiles pueden guardar más de un as bajo la manga. De esta forma se puede interpretar la cinta como una partida de ajedrez, en la que todos cuentan con su propia estrategia para alzarse vencedor de este enfrentamiento.

Con este film Gual presenta su candidatura a ser uno de los cineastas a tener en cuenta en el futuro, con tan solo cuatro cintas en su carrera siendo el primero de ellos Smoking Room galardonado con el Goya a la mejor dirección novel, demuestra una muy buena dirección de actores y saca un gran partido tanto del guión como de la localización en la que tiene lugar la película.

Una cinta muy teatral (en el mejor sentido de la palabra, ya que parece que los espectadores estén viendo una obra de teatro), beneficiada por un metraje que no alcanza la hora y veinte y que consigue mantener a los espectadores en tensión en todo momento. Consiguiendo que se posicionen por uno u otro personaje a medida que los mismos van desvelando sus cartas.

Si acaso la única pega que se le puede poner a este film es su final, no exento de humor negro. Si bien casa con el tono predominante, otro desenlace hubiera sido más acertado para poner un gran broche de oro a esta producción.

En resumidas cuentas:
Lo mejor: Todo.
Lo peor: Nada.
La imagen: Los cuatro protagonistas cabizbajos tras haber llegado a una solución.


A continuación el trailer:




domingo, 25 de diciembre de 2016

pelicula: Assassin´s creed

Trasladar un videojuego a la gran pantalla es una tarea harto complicada. El resumir en un par de horas lo que a los jugadores les lleva horas hacer, no resulta sencillo. Baste recordar el ejemplo más reciente de Warcraft dirigida por Duncan Jones, y otros proyectos sobre los que será mejor correr un tupido velo. Al no haber jugado a ninguno de los juegos de la saga Assassin´s Creed, la reseña se va a centrar en su adaptación fílmica ya que desconozco la historia que envuelve a cada uno de los mismos.

Dirigida por Justin Kurzel, la película nos cuenta como el asesino Callum Lynch (Michael Fassbender) es condenado a muerte y rescatado por la misteriosa organización Abstergo liderada por Alan Rikkin (Jeremy Irons), en donde trabaja su hija Sophia (Marion Cotillard). Mediante la tecnología la corporación liberará los recuerdos genéticos de Callum, lo que le permitirá revivir las aventuras de su antepasado Aguilar (Michael Fassbender) en su lucha contra los Templarios en la búsqueda del fruto del Edén.

Entretenida cinta a la que sin duda se le podía haber sacado mucho más partido, a tenor del resultado visto en pantalla. Las mejores partes son las que transcurren en el pasado, en donde el personaje de Fassbender da rienda suelta a sus habilidades acrobáticas en su lucha contra sus enemigos. Pero cuando el  film tiene lugar en el momento presente, la película baja enteros. Es como si el director se hubiera centrado más en una parte que en otra, lo que hace que esté descompensado y el resultado final deje un sabor agridulce.

Los actores están desaprovechados y es una verdadera lástima. Contar en tu reparto con dos de los mejores intérpretes de la actualidad como son Fassbender y Cotillard y hacer que realicen actuaciones muy planas tiene delito. Cierto es que con su interpretación no van a ser nominados a grandes premios, pero al menos haz que demuestren parte del talento que tienen. Aquí se limitan a ir con el piloto automático puesto la mayor parte del  metraje, lo que ocurre también con el personaje de Irons.

En los actores secundarios nos encontramos con Javier Gutierrez dando vida a Torquemada, sin dudas de lo mejor del reparto a pesar de una actuación algo histriónica, Hovik Keuchkerian como Ojeda uno de los enemigos del personaje de Fassbender en el pasado, Charlotte Rampling en el rol de Ellen Kaye uno de los jefes del personaje de Irons o Michael KennethWilliams en el papel de Moussa, aliado del personaje de Fassbender en la trama que tiene lugar en el presente.


El  aspecto que puede crear polémica se refiere al fruto del Edén perseguido por los Templarios, que quieren hacerse con él para entregárselo a la Inquisición y conseguir descifrar el código que permite el libre albedrío. Lo que acabaría con la capacidad de pensar y escoger de forma libre nuestras acciones. Esto sin duda puede crear controversia al presentarnos a los adversarios de la secta de los asesinos como alguien que buscan la paz, pero a expensas de cortar toda capacidad de decidir por parte del individuo y de tener a todo el mundo sumiso. En este aspecto el argumento podía haber indagado más acerca de la enemistad entre ambas facciones o como surgió su enfrentamiento.

El final es otro de los aspectos que resta enteros a la película. No hay clímax, todo se soluciona de forma brusca dejando abierta la posibilidad de una secuela dependiendo de los resultados en taquilla. Al menos podrían haber dejado la trama cerrada, ya que según concluye el film dan a entender que habrá secuela en el que se nos explicarán más aventuras de Callum.

La dirección de Kurzel resulta correcta y no resulta monótona, consiguiendo que la cinta no se  haga aburrida. Quizás un realizador más acostumbrado al cine de acción, le podía haber sacado más partido a una película que se prestaba a ello.

Sin lugar a dudas lo mejor está en las secuencias de acción que tienen lugar en el pasado, en donde el trabajo llevado a cabo por los especialistas hay que aplaudirse. Las acrobacias y los combates cuerpo a cuerpo nos meten de lleno en las peripecias de los asesinos en su lucha contra los Templarios. Si toda la cinta hubiera estado ubicada en el pasado, y en las misiones de los asesinos sin lugar a duda hubiera sido mucho mejor.

Al menos hay que agradecer que no se haya abusado demasiado demasiado del CGI, consiguiendo un buen equilibrio entre el trabajo de especialistas y los efectos creados por ordenador.

En definitiva es una cinta palomitera con la que pasar el rato, no da vergüenza ajena pero tampoco va a pasar a la historia del cine como una gran película.

En resumidas cuentas:
Lo mejor: las secuencias de acción.
Lo peor: el guión.

A continuación el trailer:


miércoles, 21 de diciembre de 2016

pelicula: Spy Game

La entrada de hoy era una película que hace tiempo que no veía, por lo que siempre es un buen momento para volver a darle un vistazo y comprobar que tal le ha sentado el paso del tiempo. En estos 15 años apenas ha envejecido, sigue entreteniendo como la primera vez que la vi en cines. Supuso el encuentro en la gran pantalla de Robert Redford y Brad Pitt, después que el primero dirigiera al segundo en El río de la vida, y una muestra más del talento de su realizador Tony Scott a la hora de hacer filmes de acción.

Dirigida por Tony Scott y con guión de Michael Frost Beckner y David Arata, la película nos cuenta como en 1991en su último día de trabajo el agente de la CIA Nathan Muir (Robert Redford) se entera que el que fuera su discípulo Tom Bishop (Brad Pitt), será ejecutado en una cárcel China tras haber fallado en una operación de rescate. Debido a las negociaciones entre USA y China la agencia decide no intervenir, por lo que Muir hará todo lo posible por rescatar a Bishop.

Dentro de la cinta se pueden distinguir dos partes, la primera que tiene lugar en 1991 y una segunda que funciona a modo de flashbacks, en la que se nos narra las diferentes misiones en las que participaron Muir y Bishop y que les llevaron a lugares tan distintos como Vietnam, Berlín o Beirut. Es precisamente aquí donde Bishop conocerá a Elizabeth (Catherine McCormack), que hará que la relación entre maestro y discípulo se vea afectada.

Y es precisamente en estos flashbacks donde se encuentra el inconveniente del film. La acción comienza a finales de los sesenta en Vietnam y llega hasta nuestros días, en este lapso ninguno de los protagonistas parece notar el paso del tiempo. El maquillaje hubiera podido servir para narrar como ambos van envejeciendo, ya que están igual en estos casi 30 años.

Tal vez no sea de los mejores trabajos dentro de la filmografía del fallecido Tony Scott, y aún así resulta un título a rescatar dentro de una carrera en la que destacan títulos como El último boy scout, Amor a quemarropa o Marea roja por citar algunos ejemplos. En Spy Game alterna las secuencias de acción como la que da inicio al film o las de los flashbacks, con otras más sosegadas que transcurren en el edificio de la CIA pero no exentas de tensión y en las que Muir ha de emplear sus años de experiencia para burlar la seguridad de la agencia para la que ha trabajado toda su vida para ayudar a Bishop.

El film de Scott nos muestra la cara menos amable del mundo de los espías. Los personajes que interpretan Pitt y Redford son el polo opuesto a James Bond. Se ven envueltos en misiones en las que su forma de ver la misma hará que se enfrenten, puesto que ambos tienen una visión del mundo distinta. Mientras que Muir es de la vieja guardia, de los tiempos de espera y observación, Bishop es alguien que prefiere seguir sus instintos y pasar a la acción.

Una cinta muy entretenida que mantiene la atención del espectador en todo momento, sobre todo gracias a la interpretación llevada a cabo por Redford que es sobre quien recae la mayor parte de la trama. Pitt logra una buena actuación, pero cada vez que ambos coinciden en pantalla el veterano actor se come al joven.

Lo mejor sin duda son los trucos de perro viejo por parte de Redford, que no precisa de tecnología ninguna para tener éxito en la misión que se ha propuesto. Tan solo de ingenio y de contactos, lo que le hace ir por delante de sus superiores que se creen más listos que el veterano agente.

Un título que recuerda a las cintas de espías hechas en los sesenta y setenta como Los tres días del Condor, interpretada por Redford, o a la saga de Harry Palmer interpretada por Michael Caine con títulos como Ipcress o Funeral en Berlín. Estos filmes se caracterizan por su tono realista, lejos del aspecto fantástico y de aventuras de James Bond.

A continuación el trailer:










lunes, 19 de diciembre de 2016

pelicula: Rogue One

Después de un año de espera y de mucha expectación el pasado viernes se estrenó el spin off de Star Wars, que se encuentra ubicado entre los episodios III y IV. Y es una de las mejores cintas de las que se han hecho hasta ahora, ambientada en el universo creado por George Lucas. Mucho mejor sin duda que los otros spin off derivados estrenados en los ochenta protagonizados por los ewoks, y que la película de navidad hecha para televisión en los setenta y que contaba con parte de los protagonistas originales, sobre la que será mejor correr un tupido velo.

Dirigida por Gareth Edwards, con guión de Tony Gilroy y Christ Weitz y según la historia de John Knoll y Gary Whitta la cinta nos cuenta como Jyn Erso (Felicity Jones) es una joven reclutada por la alianza rebelde para enfrentarse al imperio que acaba de construir su arma definitiva: la estrella de la muerte. Será misión de Jyn y otros rebeldes como el capitán Cassian Andor (Diego Luna), Chirrut Imwe (Donnie Yen), Baze Malbus (Jian Wen) y el robot K-2SO (Alan Tudyk) hacerse con los planos de la misma.

Muy entretenida cinta que recuerda a otras películas bélicas como Doce del patíbulo, Los cañones de Navarone o El desafío de las águilas en las que un grupo de personas han de enfrentarse a una misión que en apariencia resulta imposible.

Este film es el más adulto de los que se han hecho hasta la fecha de Star Wars. Se ven elementos que no se habían visto hasta ahora, prueba de que los tiempos han evolucionado y que esta cinta lo ha hecho con ellos. Así se nos muestra como los rebeldes cometen actos que eran impensables en la primera trilogía, hay zonas grises en las que se mueven. Mientras que en la saga original se nos mostraba a los insurgentes como alguien con ideales puros, aquí se nos muestra como son capaces de cometer actos reprobables con tal de conseguir sus objetivos.

El reparto resulta muy acertado y todos ellos realizan unas actuaciones muy solventes, destacando los casos de Jones y Luna, que demuestran una gran química a lo largo de todo el metraje. Además de los intérpretes ya mencionados destacar la aparición de Mad Mikkelsen como Galen Erso, padre de Jyn y el ingeniero que diseña la estrella de la muerte, y de Ben Mendelson como Orson Krennic, encargado de la seguridad del proyecto de la estrella de la muerte.

Lo que no me acabó de convencer del todo fue el doblaje en los casos de los personajes de Whitaker, que realiza el papel de Saw Gerrera amigo de Galen Erso, y de Donnie Yen. Unas voces que te sacan de lo que estás viendo, algo que no ocurre con el resto del reparto. El mismo caso ocurre con Darth Vader, sin la voz de Constantino Romero. El doblador no llega al nivel alcanzado por el fallecido doblador.

La cinta tiene acción, épica y unas gotas de humor. Es lo que tenía que haber sido el Episodio VII, que es entretenido pero que carece de las características arriba mencionadas. Desde que comienza el film explora los planetas que todavía no habían aparecido en el universo imaginado por Lucas, lo que hace que el mismo resulte muy dinámico y que ayuda a que sus dos horas y diez de metraje pasen volando.

El film contiene un par de guiños dedicados a los fans de la saga, y que además sirven para enlazar de forma directa con el Episodio IV y nunca mejor dicho. Los que ya hayáis visto Rogue One ya sabéis por donde voy.

A destacar la aparición de Vader, que tiene para si uno de los mejores instantes de toda la película y en donde se nos presenta al Lord Sith como nunca antes se le había visto y que puede descuadrar dentro del espíritu de la factoría Disney.

Una película que deja muy buen sabor de boca y que consigue que no despegues los ojos de la pantalla en ningún momento. Esperemos que el futuro spin off sobre Han Solo y el Episodio VIII sigan la senda marcada por Rogue One.

A continuación el trailer:





viernes, 16 de diciembre de 2016

pelicula: La punta del iceberg

Hace poco que la lista de los nominados a los Goya 2017 han sido anunciados. Me ha sorprendido no ver entre los mismos en la categoría de film, guión, realizador novel y actriz la cinta de la que voy a hablaros hoy. Una muy buena película y que refleja de forma cruda, la realidad de las grandes empresas que exigen demasiado a sus empleados y las consecuencias que ello conlleva.

Dirigida por David Canóvas que se encarga también del guión junto con José Amaro Carrillo y Alberto García Martín, y basado en la obra de Antonio Tabares la película nos cuenta como en una gran empresa se producen tres suicidios, por lo que Sofía Cuevas (Maribel Verdú) alta ejecutiva de la misma es enviada a realizar una investigación interna y elaborar un informe para esclarecer los motivos que los rodean. A medida que va entrevistando a los trabajadores, se dará cuenta de las circunstancias y las prácticas abusivas que ahí se practican.

Todavía me acuerdo de cuando vi esta película en el cine, creo recordar que estaba yo solo en la sala lo que es una verdadera pena. Esta es una muy buena cinta y que demuestra la buena salud del cine español, que este año ha disfrutado de filmes tan interesantes como Que Dios nos perdone, Tarde para la ira o El hombre de las mil caras por destacar tres y que curiosamente han sido nominados a los Goya en diferentes categorías.

Uno de los elementos a destacar es la interpretación de Maribel Verdú, que va evolucionando a medida que avanza la trama. Cuando se nos presenta el personaje es alguien duro y sin sentimientos, pero según avanza el film la coraza que parecía tener poco a poco se va desmoronando, hasta mostrarnos a una mujer con capacidad de empatía y que no es la misma que cuando comenzó la cinta.

En el apartado de secundarios destacar la interpretación llevada a cabo por Fernando Cayo, Carmelo Gómez, Álex García y Bárbara Goenaga. Cayo a quién los telespectadores recuerdan por su papel en Manos a la obra, Mar de plástico o cintas como La corona partida o El desconocido, tiene a su cargo el personaje de jefe déspota. Gómez es el sindicalista que sueña con unas condiciones de trabajo mejores para los trabajadores de la empresa y aprovecha sus escasos momentos en pantalla para robar cada una de las escenas que comparte con Verdú.
Goenaga tiene a su cargo un papel breve como una empleada frágil, y que resulta esencial en la conclusión de la trama y García como un ejecutivo estresado que es más de lo que parece en un principio. Todos ellos sirven como perfecto contrapunto a Verdú en sus respectivos roles como los diversos trabajadores que puede haber en las grandes empresas.

El film es un drama donde apenas hay espacio para el humor, salvo en un par de ocasiones que ayudan a aligerar una trama que no es si no el reflejo del mundo empresarial de hoy. En el que importan más los beneficios y el balance de fin de año que el trato a los empleados, pese a que el mismo incluya prácticas cuanto menos abusivas como se refleja en esta cinta.

Quizá una de la cosas que se le puede achacar a la historia es la moralina final, algo que no termina de casar del todo con el tono que ha sido predominante a lo largo del film, que nos muestra un mundo en el que, por desgracia, no hay lugar para los finales felices.

Una película recomendable con una duración de hora y media, con lo que no existen tramas secundarias que puedan entorpecer el ritmo.

A continuación el trailer:




miércoles, 14 de diciembre de 2016

pelicula: Sangre y vino

Ayer volví a ver un thriller, de mis géneros favoritos dentro de la historia del cine, protagonizado por dos grandes actores actores como Michael Caine y Jack Nicholson en la que fue su octava colaboración con el director Bob Rafelson tras haber coincidido en el remake de El cartero siempre llama dos veces o Ella nunca se niega.

Dirigido por Bob Rafelson en 1996 y con guión de Nick Villers y Alison Cross, el film nos cuenta como Alex Gates (Jack Nicholson) es un comerciante de vinos cuyo negocio no atraviesa sus mejores momentos, por lo que decide robar un valioso collar en la casa donde su amante Gabriella (Jennifer López) trabaja de niñera con la ayuda de su compañero de poker Victor Sparsky (Michael Caine). Pronto lo que parecía un plan perfecto se torcerá por los celos de Suzanne ( Judy Davis) esposa de Alex y de la antipatía de su hijastro Jason (Stephen Dorff).

Como se puede comprobar por el argumento, la cinta bebe de las fuentes más clásicas dentro del género negro como son una femme fatale que trae de cabeza a todos los hombres que se acercan a ella, y la codicia por hacerse con un objeto valioso que hará que la desconfianza y la violencia no tarden en surgir.

Uno de los elementos a destacar es la interpretación llevada a cabo por sus principales actores. Nicholson aquí va con el piloto automático puesto en la mayor parte del metraje, y pese a ello consigue una actuación convincente sin ser de sus mejores papeles. En cambio su compañero de reparto Caine consigue una mayor atención por parte de la audiencia, robando cada una de las escenas en la que ambos intérpretes comparten plano. Ya solo por eso merece darle una oportunidad a la cinta, por ver juntos a dos grandes artistas.

En cuanto a los secundarios Dorff realiza aquí una de sus mejores interpretaciones, y demuestra que si se le dan buenos papeles saca el talento que tiene. Lástima que su carrera haya tenido tantos altibajos, lo que le ha llevado a trabajar con directores de prestigio como Michael Mann en Enemigos públicos u Oliver Stone en World Trace Center y otros realizadores con menos talento como Uwe Boll, uno de los peores directores de la historia del cine, en Alone in the dark. En lo que respecta a López hace una actuación apañada, y aquí desempeñó uno de sus primeros roles dentro del thriller y que repetiría poco después en Giro al infierno, una de sus mejores cintas sin duda alguna, o Un romance muy peligroso, en la que hace su mejor papel.

La cinta es correcta pero de nuevo tiene el problema que tenía El cartero siempre llama dos veces, y es que Rafelson no termina de cerrar de forma satisfactoria el film. Ya le pasó en el remake de la novela de James M. Cain, película curiosa pero que pierde si se la compara con la original interpretada por Lana Turner y John Garfield. Lo que resulta una pena puesto que tanto su versión de El cartero siempre llama dos veces como Sangre y vino, tenían todos los factores necesarios para haber sido mejores y se quedan a mitad de camino.

Al guión se le podía haber sacado más partido, apenas hay giros y sorpresas que consigan desconcertar al espectador. Es todo bastante lineal, desde que comienza la cinta la audiencia ya sabe como puede acabar la misma, lo que hace que resulte bastante predecible algo que no es habitual dentro del thriller. Que se caracteriza por que el espectador trate de adivinar quien es el culpable, o quien se llevará el botin tras el que todo el mundo va detrás.

Un film menor dentro del thriller y del género negro que se salva por las interpretaciones de sus actores. Resulta entretenido sin más, muy lejos de otras cintas realizadas en los noventa como La última seducción, Red Rock West o Palmetto (Seducción letal) por citar tres ejemplos estrenados en esta década.

A continuación el trailer:




lunes, 12 de diciembre de 2016

libro: Donde nadie ha llegado antes

En el mundo de los aficionados a los comics y a la ciencia ficción hay dos bandos claramente enfrentados. Aquellos que son seguidores de Marvel o de DC y a los que les gusta Star Wars o Star Trek, cada uno defendiendo sus puntos de vista y afirmando las razones por las que uno es mejor que el otro. Y luego están los que si bien apoyan una de las facciones, pueden disfrutar de algunos de los personajes o películas de la otra. El presente volumen fue presentado en el pasado festival de Sitges y he podido reseñarlo gracias a que la editorial me mandó un ejemplar de cortesía.

Coordinado por Ángel Sala, Jordi Sánchez-Navarro y Luis M. Rosales y con textos de Rubén Higueras, Alfonso Merelo, Guillermo Moure, Nieves Navarro, Jordi Ojeda, Cels Piñol, Ángel Sala y Jordi Sánchez-Navarro el libro se dedica a conmemorar el 50 aniversario del universo creado por su creador Gene Roddenberry. Mediante diversos capítulos son analizados entre otros elementos sus personajes más importantes, los filmes y las diversas series que surgieron a raíz de la original, tanto de imagen real como la de dibujos animados.

Si bien ya había visto algunas de las cintas que forman parte de la franquicia de Star Trek, y tenía algunos conocimientos acerca de como fue creada y de sus personajes más famosos, este libro acabó de completar los numerosos huecos que faltaban para comprender más el universo de Spock y compañía y conseguir que quiera ver algunos de los capítulos de las series que son mencionados a lo largo de sus páginas.

Si hay una palabra que puede definir a este libro es cariño, puesto que es el sentimiento primordial que sus creadores han puesto a la hora de escribir los capítulos que conforman este volumen. Son grandes admiradores de este universo, y eso es algo que se nota a medida que uno va avanzando en su lectura. En ningún momento ocultan su admiración por la creación de Roddenberry, y lo que la misma significa para ellos.

En las primeras 175 páginas de las 313 de las que se compone el libro, los autores se dedican a desgranar lo que supuso el lanzamiento de la serie, tanto la de imagen real como la de animación, la figura de su autor, las seis primeras cintas y a analizar a los miembros que forman parte del USS Enterprise, es decir Kirk, Spock, Bones, Scotty, Uhura, Sulu y Chejov. Así los autores destacan los principales rasgos de cada uno de los personajes, tanto sus fortalezas como sus debilidades y sus momentos de lucimiento. El mismo caso se aplica a las películas, donde destacan tanto lo bueno como lo malo. Y de nuevo se cumple la regla no escrita en lo que al universo fílmico de Star Trek se refiere, en el que los episodios pares son mejores que los impares, si exceptuamos el caso de Star Trek III: En busca de Spock que sale más o menos airoso.

Una vez analizada a fondo la tripulación clásica, el libro se dedica a examinar a la nueva generación, a los personajes de Picard, Data, Riker, La Forge y Deanna Troi y las cintas que interpretaron desde la séptima, que supuso el encuentro con la antigua tripulación de Kirk y compañía y que marcó el relevo generacional, hasta la décima que supuso el canto del cisne de las adaptaciones a la gran pantalla. Al menos hasta la llegada de Abrams, de la que hablaré más tarde.

Los capítulos dedicados a Espacio profundo 9 y Voyager, siguen la tónica de los anteriores analizando la serie, sus capitanes y a los personajes secundarios más destacados. Lo que supuso para los fans, los adelantos técnicos que tuvieron y la suerte que corrieron, siendo adversa para Voyager que fue cancelada antes de la emisión de su quinta temporada y cerrándose de manera precipitada. Estos dos últimos shows a diferencia de los casos arriba citado, no contaron con adaptación a la gran pantalla.

Y cómo no podía ser de otra forma, el libro se cierra con las tres últimas películas de Star Trek y el soplo de aire fresco que supuso para esta saga cinematográfica. Consiguiendo que la gente que no era seguidora de los tripulantes de la Enterprise, se acercara de nuevo a las aventuras de sus pasajeros y ofreciendo una acertada mezcla de ciencia ficción, acción y humor gracias al trabajo realizado por JJ Abrams en las dos primeras, siendo sustituido por Justin Lin en la tercera,  y a su equipo habitual de colaboradores Alex Kurtzman y Roberto Orci.

Un libro esencial tanto para los amantes de Star Trek como para aquellos que quieran acercarse a este universo y que se disfruta de principio a fin.

jueves, 8 de diciembre de 2016

libro: Golden ninja operation. Los secretos de la IFD y la Filmark

Los ochenta fueron sin duda alguna la época dorada de los videoclubs, todos los que ahora sobrepasamos la treintena empezamos a ver cine gracias a las cintas que adornaban las estanterías de estos lugares. Lo que más nos llamaba la atención eran las portadas de las películas, y en esto las cintas de ninjas se llevaban la palma. Si bien la Cannon con su saga de El guerrero americano y los filmes protagonizaron por Sho Kosugi fueron las pioneras, las que arrasaban entre la chavalería eran los ninjas de colorines de las productoras IFD y Filmark, cuyos máximos representantes fueron Tomas Tang, Godfrey Ho y Joseph Lai que hicieron del corta y pega un verdadero arte como explicaré a continuación.

Escrito por Jesús Manuel Pérez Molina, en colaboración con Helios Romero Benavent, Ángel Jiménez Pérez, Alfonso Fernández Riejos, Francisco José Melgar y con textos adicionales de Pedro  José Tena el libro supone la finalización de un proceso de 17 años de recopilar información por parte de su autor, para dar vida a este ensayo que sin duda hará las delicias de los que alguna vez que otra hemos visto este tipo de cintas y queremos saber más acerca de sus actores, como se rodaron y la historia que las rodea y que además sirve de paso para echar por tierra muchos de los rumores que circulaban por Internet acerca de las mismas.

El libro está dividido en dos partes, la primera se compone de 8 capítulos en donde se nos cuenta la historia de ambas productoras, sus actores más reconocidos o entrevistas bastante jugosas a algunos de estos intérpretes así como a los responsables de las mismas. Donde se nos cuenta entre otras cosas que las tríadas participaban en las películas, como se las apañaban para rodar sin permisos al más puro estilo Ed Wood, como por ser occidental podías ser fichado para intervenir como extra o protagonista de la productora IFD o que si trabajabas para la IFD no podías hacerlo para la Filmark y viceversa.

Y es que si por algo se caracterizaban las películas de ambas productoras era por su metraje. Parte del mismo pertenecían a cintas taiwanesas, hongkonesas, filipinas o indias que eran compradas por Tang o Lai a un precio irrisorio y que luego eran remontadas para ser vendidas a otros mercados como el europeo o americano al meter escenas con actores occidentales con las consabidas escenas de ninjas de colorines. Haciendo que el resultado final resultara una mezcla inconexa. Pero aunque resulta paradójico, esta es la razón por la que se recuerdan estos filmes.

Resulta interesante comprobar en esta primera parte como se fundaron las mismas, su conexión, los precedentes e incluso aquellas productoras que intentaron subirse al carro del éxito iniciado por la IFD y la Filmark. Pero lo que más destaca sobre todo es la caradura de la que hacían gala  Tang y Lai , que timaban a los actores pagándoles tan solo por una cinta y aprovechando luego el material rodado para completar otras películas, lo que causó el consabido enfado y abandono por parte de sus dos máximas estrellas Bruce Baron y Richard Harrison al enterarse de la jugarreta.

En la segunda parte compuesta por 3 capítulos, el autor nos cuenta el resto de géneros que formaban parte del catálogo de ambas productoras entre los que se pueden encontrar además de las consabidas cintas de ninjas, acción y artes marciales filmes bélicos, de fantasía o aventuras entre otros. Algo que ignoraba hasta que leí el libro.

En el segundo capítulo se nos desgrana una de las sagas más famosas de la IFD como fue la del guerrero ninja dorado, en la que diversos ninjas luchaban entre si para hacerse con una codiciada estatuilla de oro que le otorgaría poderes ilimitados a todo aquel que la posea.

El tercer y último capítulo de esta segunda entrega son reseñas de algunas de las cintas más destacadas de ambas productoras, en donde se nos desgrana el argumento de las mismas y la opinión del autor sobre las mismas, saliendo algunas mejor paradas que otras.

Por último nos encontramos con unos anexos en donde se nos cuenta las cintas de animación que se hicieron en la IFD y que eran meros plagios de cintas o personajes más famosos como Comando G o Mazinger Z, las localizaciones donde se rodaron la mayoría de las cintas y por último el listado completo de películas que forman parte del catálogo de ambas productoras.

Resulta curioso comprobar como algunos de los actores que aparecieron en las cintas de ambas productoras se dejaron ver por filmes más importantes como Contacto sangriento con Jean Claude Van Damme, que a punto estuvo de trabajar para la IFD, o La armadura de Dios, Operación Condor o City Hunter interpretadas por Jackie Chan.

Este es un libro hecho con mucho cariño a un tipo de cintas que vistas hoy día causan poco menos que hilaridad, pero que en su momento nos encantaban y comentábamos con los compañeros en el recreo. Es un volumen que ha llevado mucho tiempo hacer, puesto que la cantidad de información a recopilar era una labor de titanes. Pero todo su esfuerzo tiene su recompensa, puesto que el ensayo se disfruta de principio a fin.

A destacar la gran galería de fotografías que se encuentran a lo largo del ensayo, algunas de ellas seguro que nos arrancarán una sonrisa nostálgica al ser las portadas de las películas que había en los tiempos del videoclub.

Desde aquí felicitar a sus responsables por traernos un libro que ayuda a comprender más a ambas distribuidoras.

martes, 6 de diciembre de 2016

comic: Los ocultos

Hoy vuelvo a comentar un comic que ha salido a la venta hace poco, y en donde se dan cita géneros tan dispares como la acción, la ciencia ficción o el hard boiled, en una mezcla muy bien conjuntada por parte de sus responsables. En donde nada resulta lo que parece, haciendo que los creadores jueguen en no pocas ocasiones con los lectores que se acerquen a esta novela gráfica. Desde aquí dar las gracias a la editorial por hacerme llegar un ejemplar para poder reseñarlo.


Publicado por Nowevolution con guión de David Braña y dibujos de Juanma Aguilera el comic nos  cuenta la historia de Daniel, un director de cine que hace poco ha estrenado su opera prima con escaso éxito y cuya relación con su novia Sandra no atraviesa su mejor momento. Para empeorar la  situación su mejor amigo Raúl se suicida, pero antes de hacerlo envía un mensaje a Daniel con unos números que le harán vivir una aventura llena de peligros y que cambiará su vida tal y como la conocía.

David Braña cuenta con una amplía carrera como guionista y escritor, lo que le ha llevado a ganar diversos premios. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Mercury o Evil War, y ha colaborado con las revistas de terror Cthulhu o Tomb of terror.

El guión de David consigue mantener a los lectores enganchados con un argumento bastante interesante, consiguiendo unos personajes que enriquecen la trama a medida que van apareciendo. Todos tienen algo que aportar a la misma, por lo que su entrada no resulta en absoluto fortuita.

Juanma Aguilera ha desarrollado su carrera de ilustrador y dibujante en publicaciones como El arca de las historias, El batrracio amarillo o Sinónimos de lucro. Además ha ejercido como colorista para editoriales de USA y Canadá.

El dibujo de Juanma me recordó al realizado por Frank Miller en los 80, con hombres con rasgos duros en su mayoría, mujeres voluptuosas y otras con facciones más suaves y dulces. En no pocas ocasiones la profundidad de las viñetas nos permite permanecer atentos no solo lo que les pasa a los protagonistas en primer término, sino también a lo que está ocurriendo a su alrededor.

Si uno se fija en la portada del comic puede apreciar que parece la caratula de una cinta de acción de videoclub. Nada más lejos de la realidad, acción hay por supuesto pero aparece en contadas ocasiones. Pero cuando lo hace es de forma cruda y visceral, momento en el que sus responsables nos sorprenden con imágenes bastante violentas.

A medida que avanzaba en su lectura varias fueron las referencias que acudían a mi cabeza, todas ellas distintas entre sí. Así David Lynch se junta con Philip K. Dick, Lovecraft aparece junto a Tarantino, pero también hay un guiño a La cabaña en el bosque. El cine de acción de serie B se da la mano junto con una investigación que parece salida de algún relato creado por Raymond Chandler. Tal mezcla de géneros lejos de ser confusa, consigue hacer el comic bastante interesante.

Sus responsables empiezan a jugar con los lectores a partir del suceso en el bosque. Desde ese momento lo que se creía que era un relato convencional de suspense da una vuelta de 180º,  haciendo que comience una nueva aventura a partir de ese punto y en donde hay que permanecer atento a cada nuevo detalle y giro que surge.

Dos son los principales temas que surgen una vez que ha acabado la lectura del comic. El primero de ellos es la amistad, que llevará a Daniel a investigar los sucesos que rodearon la muerte de Raúl y que le permiten conocer facetas de su amigo que desconocía. El segundo es la determinación de nuestro protagonista, que le llevará a forzar al límite su mente y su cuerpo y que le permitirá seguir adelante cuando la situación esté más complicada que nunca.

El final de la obra queda abierto a la imaginación de los lectores, pudiendo ser interpretado como quiera. Cada uno puede sacar su propia conclusión sobre la aventura que Daniel ha vivido.

Un buen comic recomendado a aquellos que les gusten aquellas novelas gráficas que mezclan varios géneros y que nos mantiene enganchados desde sus primeras páginas.

domingo, 4 de diciembre de 2016

microteatro: El fin del mundo maya

El fin del mundo ha sido una fuente de inspiración tanto para la literatura, como en Apocalipsis de Stephen King; La carretera de Cormac McCarthy o La guerra de los mundos de H.G. Wells, como para el cine con las cintas Armageddon de Michael Bay; Bienvenidos al fin del mundo de Edgar Wright o Mad Max de George Miller. La obra de microteatro que tuve oportunidad de ver ayer toma como base el fin de los tiempos para ofrecer una comedia que se toma a broma el fin de la humanidad. Desde aquí dar las gracias a los responsables de la sala por invitarme a ver la representación.

Dirigida por Diego Sanchidrián y con guión de Pedro Pablo Picazo, volviendo a coincidir en una obra tras haberlo hecho en El cielo espera ya reseñada aquí http://cinefagia80.blogspot.com.es/2015/03/microteatro-el-cielo-espera.html El argumento nos cuenta como en una oficina en Diciembre de 2012, Alfredo (Fael García) es llamado al despacho de su jefa Victoria (Paola Tombolan) para que le explique unos fallos en su informe. Cuando se dispone a corregirlos, el fin del mundo llega.

El director Diego Sanchidrián cuenta con una amplía trayectoria en el mundo del cortometraje, con títulos como Azar, El rayo y la sirena o El hilo de oro y en microteatro con obras como Rojo azafrán o Un presente inolvidable además de la obra arriba citada y una vez más vuelve a trabajar con Pedro Pablo  Picazo, con quién ha vuelto a coincidir en Paraísos Artificiales, tras haberlo hecho de forma previa en El salto del tigre o Reencuentro. Demostrando una vez más que forman un buen equipo.

Esta era la primera ocasión que tenía de ver a los dos intérpretes actuar y espero que no sea la última. En todo momento ambos demuestran una gran compenetración. Mientras que la actriz se encarga de dar vida a la parte más seria de la obra, el actor representa el contrapunto cómico con lo que ambas personalidades quedan equilibradas.

A medida que avanza la obra el sentido del humor sigue presente, pero se nota un poso trágico. El tono que se saca de la representación es Carpe Diem, vive el momento y disfruta de la vida. Es lo que el personaje de Fael transmite, aprende a vivir de aquellos pequeños placeres del día a día. Algo que intenta contagiar a su jefa en todo momento.

Con un decorado muy simple ambientado en una oficina, los actores consiguen meter a la audiencia en situación desde el primer momento. Con pocos medios se consigue sacar gran partido de la actuación de sus intérpretes, que desde que comienza con la obra consiguen conectar con el público.

Paola da vida a una jefa cabrona y exigente, alguien que permanece en guardia en todo momento y que antepone el trabajo a su felicidad. Algo que irá cambiando según avanza la obra, demostrando que lo suyo es pura fachada. Dentro hay una mujer que quiere relajarse, dejar salir a su niña interior y hacer cosas con las que de verdad disfute, como por ejemplo el baile. Algo que tendrá gran importancia en el tercio final de la representación.

En cuanto a Fael es un empleado que se toma las circunstancias según le vienen, es el polo opuesto a su jefa. Hace sus informes por hacerlos, cómo si no estuviera del todo contento en su trabajo y en espera de una mejor oportunidad laboral. Tal vez el fin del mundo sea la ocasión que tienen ambos protagonistas para llegar a un entendimiento, cambiar su forma de entender la vida y acercar posturas.

Una obra muy divertida y que consigue arrancar unas cuantas carcajadas entre el público. Ya lleva tres meses en cartel, demostrando que el boca a boca ha funcionado entre los asistentes que han podido disfrutar de las peripecias de Alfredo y Victoria. Si tenéis ganas de ver esta representación, o alguna de las otras que se están desarrollando en El esconditeatro pinchad en el siguiente enlace y podréis encontrar más información: http://www.elesconditeatro.com/

Como viene siendo norma habitual, al final de la representación tuve la oportunidad de posar con los actores y el director para agradecerles su buen hacer durante la obra:



sábado, 3 de diciembre de 2016

comic: Freaks

La primera vez que se usó el término Freak  fue en la cinta homónima Freaks de Tod Browning que llegó a España con el título La parada de los monstruos. En aquel momento freak servía para definir todo aquello raro, anómalo o extraño. De forma posterior fue evolucionando en nuestro idioma para designar a todas aquellas personas, que se salían de lo normal y que su comportamiento se alejaba de lo dictaminado por la sociedad. Hoy día un friki es aquel sujeto obsesionado con un determinado tema, llámese cine, comic o rol. Y son precisamente los freaks los protagonistas de la entrada de hoy, gracias a la editorial que me hizo llegar un ejemplar de cortesía para reseñar, en un tebeo cargado de humor y que mantiene a los lectores con una sonrisa permanente.

Con guión y dibujos de Aitor Iñaki Eraña el comic nos cuenta las diversas peripecias en el día a día de un grupo de amigos formado por Dante, gran aficionado al cine y supuesto líder de la pandilla; Pc, compañero de piso de Dante y apasionado de los videojuegos; Rol, como su propio nombre indica adicto a los juegos de rol; Eva, una chica gótica; Nikita, con aspecto de gato y protagonista de algunos de los instantes más bestias del volumen; Stanli, perro de Dante y con algunos de los mejores gags del comic y por último Alba, periodista y en apariencia la normal del grupo a quienes investiga para su tesis, con los que acabará formando una gran amistad.

Antes de ser editado en papel Freaks era publicado junto con otras tiras como Área 66 o HTV por el autor en su página web Con mano izquierda. En 2009 publicó su primer comic RIP y ha colaborado en publicaciones como El Jueves o La parada magazine,  o periódicos como el diario Noticias de Álava donde publicó en 2006 la tira Estívaliz, con V de Vitoria además ha trabajado en diversas producciones de animación. También ha editado la secuela de RIP titulada RIP vólumen II: Ángeles y Demonios y Dark Lord.
 
Comic muy divertido y que en no pocas ocasiones ha conseguido arrancarme más de una carcajada. Todos aquellos que somos frikis o que tenemos amigos con gustos parecidos a los protagonistas de esta obra, nos sentiremos identificados con algunas de las situaciones por las que pasan los protagonistas. Y es precisamente el sentido del humor el punto fuerte del volumen, el autor tira de ingenio para sacar adelante los gags y no caer en los chistes fáciles, pese a que de vez en cuando recurre a ellos cuando resulta necesario.

La cultura popular, recuerdos de la infancia, los videojuegos, los comics, el cine o el rol sirven al autor para que los protagonistas vivan sus aventuras. Así no resulta extraño ver en alguna que otra viñeta a un villano de la factoría Marvel, ejerciendo una profesión que le va como anillo al dedo por el terror que provoca en buena parte de la población o a un editor con una manía persecutoria a cierto trepamuros.


Algunas de las tiras que vemos en este volumen han sido corregidas o cambiadas por el autor, debido a que no quedó muy convencido en su momento o porque pensaba que quedarían mejor en su publicación en papel, como nos confiesa en las páginas finales en las que comenta cada una de las viñetas a modo de extra y que complementan al comic.

En el aspecto de comentar sus propias viñetas el comic me recordó a los volúmenes de Fan letal/Fan con nata de Cels Piñol, en donde el autor de los narigones hacía lo propio. Ignoro si con esto Aitor ha querido rendir homenaje al ñolo, apodo por el que se conoce a Piñol, o se trata tan solo de una coincidencia. Pero de lo que no hay duda es que ambos dibujantes saben retratar como nadie el mundo que rodea a los frikis.

Este comic recopila las 100 primeras historias publicadas por el autor en su web entre 2004 y 2007.  Algunas de las mismas nuevas y otras redibujadas, a las que se le ha dado un lavado de cara con motivo de su publicación en papel. Espero que en un futuro se publiquen el resto, puesto que me lo he pasado muy bien mientras iba leyéndolas.

En los siguientes enlaces podéis conocer más acerca del autor y a la vez disfrutar con algunas de las tiras que se han mencionado en la presente reseña:
http://elartedelmanco.tumblr.com/
http://guiadelcomic.es/aitor-erana/entrevista.htm