martes, 6 de diciembre de 2016

comic: Los ocultos

Hoy vuelvo a comentar un comic que ha salido a la venta hace poco, y en donde se dan cita géneros tan dispares como la acción, la ciencia ficción o el hard boiled, en una mezcla muy bien conjuntada por parte de sus responsables. En donde nada resulta lo que parece, haciendo que los creadores jueguen en no pocas ocasiones con los lectores que se acerquen a esta novela gráfica. Desde aquí dar las gracias a la editorial por hacerme llegar un ejemplar para poder reseñarlo.


Publicado por Nowevolution con guión de David Braña y dibujos de Juanma Aguilera el comic nos  cuenta la historia de Daniel, un director de cine que hace poco ha estrenado su opera prima con escaso éxito y cuya relación con su novia Sandra no atraviesa su mejor momento. Para empeorar la  situación su mejor amigo Raúl se suicida, pero antes de hacerlo envía un mensaje a Daniel con unos números que le harán vivir una aventura llena de peligros y que cambiará su vida tal y como la conocía.

David Braña cuenta con una amplía carrera como guionista y escritor, lo que le ha llevado a ganar diversos premios. Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Mercury o Evil War, y ha colaborado con las revistas de terror Cthulhu o Tomb of terror.

El guión de David consigue mantener a los lectores enganchados con un argumento bastante interesante, consiguiendo unos personajes que enriquecen la trama a medida que van apareciendo. Todos tienen algo que aportar a la misma, por lo que su entrada no resulta en absoluto fortuita.

Juanma Aguilera ha desarrollado su carrera de ilustrador y dibujante en publicaciones como El arca de las historias, El batrracio amarillo o Sinónimos de lucro. Además ha ejercido como colorista para editoriales de USA y Canadá.

El dibujo de Juanma me recordó al realizado por Frank Miller en los 80, con hombres con rasgos duros en su mayoría, mujeres voluptuosas y otras con facciones más suaves y dulces. En no pocas ocasiones la profundidad de las viñetas nos permite permanecer atentos no solo lo que les pasa a los protagonistas en primer término, sino también a lo que está ocurriendo a su alrededor.

Si uno se fija en la portada del comic puede apreciar que parece la caratula de una cinta de acción de videoclub. Nada más lejos de la realidad, acción hay por supuesto pero aparece en contadas ocasiones. Pero cuando lo hace es de forma cruda y visceral, momento en el que sus responsables nos sorprenden con imágenes bastante violentas.

A medida que avanzaba en su lectura varias fueron las referencias que acudían a mi cabeza, todas ellas distintas entre sí. Así David Lynch se junta con Philip K. Dick, Lovecraft aparece junto a Tarantino, pero también hay un guiño a La cabaña en el bosque. El cine de acción de serie B se da la mano junto con una investigación que parece salida de algún relato creado por Raymond Chandler. Tal mezcla de géneros lejos de ser confusa, consigue hacer el comic bastante interesante.

Sus responsables empiezan a jugar con los lectores a partir del suceso en el bosque. Desde ese momento lo que se creía que era un relato convencional de suspense da una vuelta de 180º,  haciendo que comience una nueva aventura a partir de ese punto y en donde hay que permanecer atento a cada nuevo detalle y giro que surge.

Dos son los principales temas que surgen una vez que ha acabado la lectura del comic. El primero de ellos es la amistad, que llevará a Daniel a investigar los sucesos que rodearon la muerte de Raúl y que le permiten conocer facetas de su amigo que desconocía. El segundo es la determinación de nuestro protagonista, que le llevará a forzar al límite su mente y su cuerpo y que le permitirá seguir adelante cuando la situación esté más complicada que nunca.

El final de la obra queda abierto a la imaginación de los lectores, pudiendo ser interpretado como quiera. Cada uno puede sacar su propia conclusión sobre la aventura que Daniel ha vivido.

Un buen comic recomendado a aquellos que les gusten aquellas novelas gráficas que mezclan varios géneros y que nos mantiene enganchados desde sus primeras páginas.

domingo, 4 de diciembre de 2016

microteatro: El fin del mundo maya

El fin del mundo ha sido una fuente de inspiración tanto para la literatura, como en Apocalipsis de Stephen King; La carretera de Cormac McCarthy o La guerra de los mundos de H.G. Wells, como para el cine con las cintas Armageddon de Michael Bay; Bienvenidos al fin del mundo de Edgar Wright o Mad Max de George Miller. La obra de microteatro que tuve oportunidad de ver ayer toma como base el fin de los tiempos para ofrecer una comedia que se toma a broma el fin de la humanidad. Desde aquí dar las gracias a los responsables de la sala por invitarme a ver la representación.

Dirigida por Diego Sanchidrián y con guión de Pedro Pablo Picazo, volviendo a coincidir en una obra tras haberlo hecho en El cielo espera ya reseñada aquí http://cinefagia80.blogspot.com.es/2015/03/microteatro-el-cielo-espera.html El argumento nos cuenta como en una oficina en Diciembre de 2012, Alfredo (Fael García) es llamado al despacho de su jefa Victoria (Paola Tombolan) para que le explique unos fallos en su informe. Cuando se dispone a corregirlos, el fin del mundo llega.

El director Diego Sanchidrián cuenta con una amplía trayectoria en el mundo del cortometraje, con títulos como Azar, El rayo y la sirena o El hilo de oro y en microteatro con obras como Rojo azafrán o Un presente inolvidable además de la obra arriba citada y una vez más vuelve a trabajar con Pedro Pablo  Picazo, con quién ha vuelto a coincidir en Paraísos Artificiales, tras haberlo hecho de forma previa en El salto del tigre o Reencuentro. Demostrando una vez más que forman un buen equipo.

Esta era la primera ocasión que tenía de ver a los dos intérpretes actuar y espero que no sea la última. En todo momento ambos demuestran una gran compenetración. Mientras que la actriz se encarga de dar vida a la parte más seria de la obra, el actor representa el contrapunto cómico con lo que ambas personalidades quedan equilibradas.

A medida que avanza la obra el sentido del humor sigue presente, pero se nota un poso trágico. El tono que se saca de la representación es Carpe Diem, vive el momento y disfruta de la vida. Es lo que el personaje de Fael transmite, aprende a vivir de aquellos pequeños placeres del día a día. Algo que intenta contagiar a su jefa en todo momento.

Con un decorado muy simple ambientado en una oficina, los actores consiguen meter a la audiencia en situación desde el primer momento. Con pocos medios se consigue sacar gran partido de la actuación de sus intérpretes, que desde que comienza con la obra consiguen conectar con el público.

Paola da vida a una jefa cabrona y exigente, alguien que permanece en guardia en todo momento y que antepone el trabajo a su felicidad. Algo que irá cambiando según avanza la obra, demostrando que lo suyo es pura fachada. Dentro hay una mujer que quiere relajarse, dejar salir a su niña interior y hacer cosas con las que de verdad disfute, como por ejemplo el baile. Algo que tendrá gran importancia en el tercio final de la representación.

En cuanto a Fael es un empleado que se toma las circunstancias según le vienen, es el polo opuesto a su jefa. Hace sus informes por hacerlos, cómo si no estuviera del todo contento en su trabajo y en espera de una mejor oportunidad laboral. Tal vez el fin del mundo sea la ocasión que tienen ambos protagonistas para llegar a un entendimiento, cambiar su forma de entender la vida y acercar posturas.

Una obra muy divertida y que consigue arrancar unas cuantas carcajadas entre el público. Ya lleva tres meses en cartel, demostrando que el boca a boca ha funcionado entre los asistentes que han podido disfrutar de las peripecias de Alfredo y Victoria. Si tenéis ganas de ver esta representación, o alguna de las otras que se están desarrollando en El esconditeatro pinchad en el siguiente enlace y podréis encontrar más información: http://www.elesconditeatro.com/

Como viene siendo norma habitual, al final de la representación tuve la oportunidad de posar con los actores y el director para agradecerles su buen hacer durante la obra:



sábado, 3 de diciembre de 2016

comic: Freaks

La primera vez que se usó el término Freak  fue en la cinta homónima Freaks de Tod Browning que llegó a España con el título La parada de los monstruos. En aquel momento freak servía para definir todo aquello raro, anómalo o extraño. De forma posterior fue evolucionando en nuestro idioma para designar a todas aquellas personas, que se salían de lo normal y que su comportamiento se alejaba de lo dictaminado por la sociedad. Hoy día un friki es aquel sujeto obsesionado con un determinado tema, llámese cine, comic o rol. Y son precisamente los freaks los protagonistas de la entrada de hoy, gracias a la editorial que me hizo llegar un ejemplar de cortesía para reseñar, en un tebeo cargado de humor y que mantiene a los lectores con una sonrisa permanente.

Con guión y dibujos de Aitor Iñaki Eraña el comic nos cuenta las diversas peripecias en el día a día de un grupo de amigos formado por Dante, gran aficionado al cine y supuesto líder de la pandilla; Pc, compañero de piso de Dante y apasionado de los videojuegos; Rol, como su propio nombre indica adicto a los juegos de rol; Eva, una chica gótica; Nikita, con aspecto de gato y protagonista de algunos de los instantes más bestias del volumen; Stanli, perro de Dante y con algunos de los mejores gags del comic y por último Alba, periodista y en apariencia la normal del grupo a quienes investiga para su tesis, con los que acabará formando una gran amistad.

Antes de ser editado en papel Freaks era publicado junto con otras tiras como Área 66 o HTV por el autor en su página web Con mano izquierda. En 2009 publicó su primer comic RIP y ha colaborado en publicaciones como El Jueves o La parada magazine,  o periódicos como el diario Noticias de Álava donde publicó en 2006 la tira Estívaliz, con V de Vitoria además ha trabajado en diversas producciones de animación. También ha editado la secuela de RIP titulada RIP vólumen II: Ángeles y Demonios y Dark Lord.
 
Comic muy divertido y que en no pocas ocasiones ha conseguido arrancarme más de una carcajada. Todos aquellos que somos frikis o que tenemos amigos con gustos parecidos a los protagonistas de esta obra, nos sentiremos identificados con algunas de las situaciones por las que pasan los protagonistas. Y es precisamente el sentido del humor el punto fuerte del volumen, el autor tira de ingenio para sacar adelante los gags y no caer en los chistes fáciles, pese a que de vez en cuando recurre a ellos cuando resulta necesario.

La cultura popular, recuerdos de la infancia, los videojuegos, los comics, el cine o el rol sirven al autor para que los protagonistas vivan sus aventuras. Así no resulta extraño ver en alguna que otra viñeta a un villano de la factoría Marvel, ejerciendo una profesión que le va como anillo al dedo por el terror que provoca en buena parte de la población o a un editor con una manía persecutoria a cierto trepamuros.


Algunas de las tiras que vemos en este volumen han sido corregidas o cambiadas por el autor, debido a que no quedó muy convencido en su momento o porque pensaba que quedarían mejor en su publicación en papel, como nos confiesa en las páginas finales en las que comenta cada una de las viñetas a modo de extra y que complementan al comic.

En el aspecto de comentar sus propias viñetas el comic me recordó a los volúmenes de Fan letal/Fan con nata de Cels Piñol, en donde el autor de los narigones hacía lo propio. Ignoro si con esto Aitor ha querido rendir homenaje al ñolo, apodo por el que se conoce a Piñol, o se trata tan solo de una coincidencia. Pero de lo que no hay duda es que ambos dibujantes saben retratar como nadie el mundo que rodea a los frikis.

Este comic recopila las 100 primeras historias publicadas por el autor en su web entre 2004 y 2007.  Algunas de las mismas nuevas y otras redibujadas, a las que se le ha dado un lavado de cara con motivo de su publicación en papel. Espero que en un futuro se publiquen el resto, puesto que me lo he pasado muy bien mientras iba leyéndolas.

En los siguientes enlaces podéis conocer más acerca del autor y a la vez disfrutar con algunas de las tiras que se han mencionado en la presente reseña:
http://elartedelmanco.tumblr.com/
http://guiadelcomic.es/aitor-erana/entrevista.htm



 

miércoles, 30 de noviembre de 2016

libro: Lucio Fulci Autopsia de un cineasta

Dentro del cine de terror italiano encontramos nombres como Ruggero Deodato (Holocausto Caníbal), Antonio Margheriti (Danza Macabra), Duccio Tessari (Una mariposa con alas ensangrentadas) o Emilio Miraglia (La dama roja mata siete veces) por citar algunos ejemplos. Pero sin duda alguna los realizadores más destacados son Mario Bava (Bahía de sangre), Dario Argento (Rojo oscuro) y Lucio Fulci (El más allá) los directores más importantes de este género cinematográfico. Es precisamente Fulci el protagonista de la entrada de hoy, en un ensayo en el que su obra es analizada de forma minuciosa.

Escrito por Javier Pueyo el libro supone un ensayo muy completo y pormenorizado de la filmografía del director romano. Compuesto por 17 capítulos dedicados a su obra tanto en televisión como en el cine, sus últimos filmes, entrevistas a personas que trabajaron con Fulci y la influencia que ha tenido en diversos realizadores, el autor hace un repaso de la carrera de Fulci mediante los diversos géneros en los que el realizador desarrolló su carrera. Desde sus inicios en la comedia, pasando por los spaghetti-western, el poliziesco, la acción, las aventuras, el drama y por supuesto el género por el que la mayoría de los aficionados al cine conoce a Fulci: el terror y los zombis.

En el libro encontramos un estudio de cada una de las cintas que componen la filmografía de Fulci, unos más exhaustivos que otros puesto que algunos de los títulos permanecen inéditos en nuestro país. Así el autor ofrece un breve resumen de los mismos, destacando las secuencias más importantes o los momentos por lo que se recuerdan esos filmes. Y es aquí donde encontramos el problema, al ofrecer un análisis tan detallado el final de algunas películas es desvelado. Si ya has visto los títulos del director romano no te importa, pero puede molestar y mucho a los que se acerquen a este ensayo y vean revelado el final de una película que tenían muchas ganas de ver.

A través de los diversos capítulos que conforman el presente ensayo el autor destaca dos elementos que son constantes dentro de la filmografía de Fulci. El primero de ellos es su uso de la violencia y el modo en que el cineasta la retrata. Mientras que otros realizadores de terror italiano como Dario Argento o Mario Bava eran más clásicos o artísticos a la hora de reflejar las muertes, Fulci era más salvaje cuando se trataba de mostrar las mismas. Baste recordar la secuencia de la astilla en Zombi 2, la del taladro en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o la botella rota en El destripador de Nueva York. Fulci se deleitaba en estos momentos, recreándose en el momento del fallecimiento de la víctima lo que le ha valido no pocas críticas de los periodistas más sesudos dedicados al cine y de sus detractores.

El segundo elemento presente es el profundo anticlericalismo del que hacía gala el realizador en no pocas ocasiones. Y que puede observarse en películas como Los cuatro del apocalipsis, Daemonia, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o Angustia de silencio por citar las más famosas y en donde las figuras religiosas no salían muy bien paradas. Bien sea por motivos de humillación al que son sometidos los protagonistas como en Los cuatro del apocalipsis, o por ser los responsables directos de los acontecimientos que desencadenan con su muerte como en Miedo en la ciudad de los muertos vivientes.

El autor del libro no oculta en ningún momento su admiración por Fulci, lo que en algunas ocasiones le permite ser condescendiente con algunas de sus producciones, pero ser también duro con aquellas que no alcanzan unos mínimos de calidad. El ensayo supone revelar la pasión por un cineasta que pese a quien le pese ya forma parte de la historia del cine de terror por méritos propios. Y que cuenta tanto con detractores como con defensores. Con este director no hay término medio, o le amas o le odias.

El ensayo se encuentra profusamente ilustrado con posters y diversos fotogramas en muy buena calidad de las películas que son analizadas en los capítulos correspondientes.

En las entrevistas que encontramos en el libro, algunas de las personas que trabajaron con Fulci ya sea delante o detrás de las cámaras como Bernard Saray, Michele De Angelis o Beatrice Ring nos desvelan como fue su colaboración con el realizador italiano. Es conocido el mal carácter del que hacía gala el director de El más allá, algo que queda contrastado en algunas de estas interviús y en algunos pasajes del ensayo. Mientras que unos lo afirman otros lo niegan, todo depende de como fuera su relación con él. Pero en lo que si están de acuerdo todos los entrevistados, era la profesionalidad de la que hacía gala realizador.

Un ensayo que satisfará a aquellos que quieran saber más sobre este director, que pese a haber desarrollado su carrera en diferentes géneros cinematográficos será siempre recordado por su aportación al terror y por mostrarnos unos zombis putrefactos que nada tenían que ver por los mostrados por George A. Romero en sus filmes La noche de los muertos vivientes, Zombi y El día de los muertos. Y que pese a alguna errata que otra, no debe de restar puntos a una obra muy interesante y que permite acercarse de manera amena a la figura de este director.


lunes, 28 de noviembre de 2016

documental: Hitchock/Truffaut

Uno de los libros más recomendados para los aficionados al cine es "El cine según Hitchcock", resultado de una serie de conversaciones que mantuvieron durante ocho días en 1966 el realizador inglés con el director francés François Truffaut. El resultado de las mismas se plasmó en el libro antes citado, ahora cincuenta años después el realizador Kent Jones invita a algunos de los realizadores más importante del pasado y presente de la historia del cine como Martin Scorsese, David Fincher o Wes Anderson entre otros para que den su opinión acerca del mago del suspense.


El documental con una duración escasa de apenas 80 minutos y narrado por Mathieu Almaric (La Venus de las Pieles, Quantum of Solace) sabe a poco, uno se queda con saber más acerca del mago del suspense. La cinta supone una carta de amor al cine, mediante dos de sus realizadores más destacados y la admiración que despertaba, y sigue despertando el mago del suspense.

A través de diversas opiniones de Scorsese, Anderson, Fincher o Peter Bogdanovich los espectadores descubrirán como Hitchock era más que un simple realizador que hacía filmes de suspense. Era un obsesivo del trabajo, prueba de ello es la planificación que llevaba a cabo antes de embarcarse en un nuevo rodaje o la dirección de actores a quienes exprimía al máximo y de forma especial a las actrices. Baste recordar su famosa frase "Niego que alguna vez dije que los actores son ganado. Lo que dije fue que los actores deberían ser tratados como ganado".

Uno de los realizadores que se declara más admirador de Hitchcock y que más minutos tiene en el documental es Martin Scorsese. El director de Casino no puede evitar emocionarse acerca de los sentimientos que le produjeron ver algunas de las cintas del mago del suspense.

El documental está adornado por diversas secuencias de algunas de las obras más destacadas de la filmografía de Hithcock, como La ventana indiscreta, Sospecha, Vértigo o Con la muerte en los talones por citar tan solo algunas. Bastante curioso resulta ver en pantalla el storyboard de la escena de la ducha de Psicosis explicada por el propio Hitchock y extraída de las conversaciones.


Uno de los momentos a destacar dentro del documental ocurre a finales del mismo, cuando los espectadores son testigos de la sesión de fotos que llevaron a cabo ambos realizadores y del buen entendimiento que hubo entre ellos en todo momento. No en vano, a raíz de esta serie de entrevistas surgió entre ambos realizadores una relación de amistad que se mantuvo durante años hasta el fallecimiento de Hitchock.

Otro de los momentos a destacar es cuando realizadores actuales como Scorsese o Fincher se pregunta de si Hithcock hubiera podido trabajar con actores tan metódicos de la actuación como Robert DeNiro, Al Pacino o Dustin Hoffman en caso de haber coincidido en el tiempo y conociendo como se preparaban sus papeles los intérpretes mencionados. Hubiera sido bastante curioso desde luego.

Un documental imprescindible que los aficionados al cine no deberían dejar pasar. Tanto por su valor cinematográfico como por ver plasmado en imágenes uno de los mejores libros de entrevistas de la historia del cine y que nos  recuerda la razón de nuestra pasión por el séptimo arte.

Cuando uno acaba de verlo, le entran ganas de volver a ver algunas de las cintas que se comentan para volver a fijarse en los detalles que son mencionados en el mismo y que ya forman parte de la historia del cine.

A continuación el tráiler:

sábado, 26 de noviembre de 2016

microteatro: Avon llama a tu puerta

Una de las frases que más escuchaban las amas de casa años ha, era "Avon llama" y en el que unas señoritas se dedicaban a vender puerta por puerta productos de cosmética. Es precisamente este famoso reclamo publicitario, que los que hemos sobrepasado la treintena hemos oído en alguna que otra ocasión, la base sobre la que se asienta la obra de microteatro que tuve oportunidad de ver ayer y que fue su último pase. Una vez más agradecer a los responsables del recinto la cesión de una entrada para poder disfrutar de la misma.

Dirigida por Darío Frías y con guión de Fátima Delgado y Víctor Sánchez Alonso, la trama nos cuenta como María (Fátima Delgado) es una opositora para ser notaria muy agobiada que recibe la visita de Moni (Brishel Santoro) vendedora de Avon que le hará tomarse la vida de otra manera.

Obra muy divertida cuyo punto fuerte es la buena química que demuestran sus dos actrices. Ambas se compentran bien gracias a sus personalidades distintas, que acaban por complementarse en el tercio final de la misma.

Después de una larga trayectoría a sus espaldas como intérprete, Darío Frías vuelve a ponerse a dirigir una obra de microteatro tras haberlo hecho en anteriores ocasiones y haber hecho lo propio en formato largo. La opción de la comedia ha sido acertada, ya que es un terreno en el que suele desenvolverse bien este actor al que hemos visto en roles episódicos en Mis adorables vecinos, Con el culo al aire o Cuéntame como pasó, o en la cinta Esto no es una cita ya reseñada aquí http://cinefagia80.blogspot.com.es/2014/12/pelicula-esto-no-es-una-cita.html, y a quien veremos en pantalla dentro de poco en Cinebasura: La película.

Esta era la segunda ocasión en la que tenía ocasión de ver a Fátima, después de haberla visto en un rol más serio en la obra No sin mi libro http://cinefagia80.blogspot.com.es/2016/01/microteatro-no-sin-mi-libro.html aquí tiene oportunidad de interpretar un rol más relajado y divertido, dando rienda suelta a su faceta más payasa y demostrando una gran vis cómica.

El personaje que interpreta en esta ocasión es el de una persona inocente, con muchos miedos e inseguridades y que necesitaba el toque de atención y espabilar, lo que consigue gracias a la visita de la vendedora de Avon.

En cuanto a su compañera de reparto esta era la primera ocasión en que tenía ocasión de verla y espero que no sea la única. Es el contrapunto perfecto a Fátima, a quién va cambiando poco a poco a medida que avanza la obra. Se puede decir que es su Pepito Grillo pero a la inversa, aquí el rol que desempeña Brishel anima a Fátima a vivir más la vida, a ser algo más alocada y a tomar decisiones por ella misma.

Brishel se mete en la piel de la típica vendedora que está de vuelta de todo, con mucha labia y que no deja escapar una venta si tiene ocasión. Su estilo de vivir la vida en nada tiene que ver con el de Fátima, el personaje que interpreta demuestra haber vivido mil cosas y exprimido la vida al máximo.

Uno de los instantes que más hilaridad causaron en la audiencia, fue cuando el personaje de Fátima da rienda suelta a la niña que lleva dentro y deja salir toda la tensión que llevaba dentro a causa de la oposición. Seguro que a los más puristas de la música no les hará gracia la defensa de cierto estilo musical que tiene gran importancia en la trama, pero que demuestra ser clave para que María se suelte y aprenda a vivir la vida.

Pese al tono abiertamente cómico de la obra, hay un transfondo bastante trágico y es el de seguir aquellas imposiciones o tradiciones existentes en una familia, tan solo para seguir con el legado que ha sido norma en la misma, ya sean médicos, arquitectos o abogados como ocurre en el caso de la protagonista de la obra. Sus padres nunca les preguntaron si de verdad querían desempeñar una profesión que han venido desempeñando de generación en generación.

Una nueva muestra del talento que demuestran los implicados que sacan adelante los proyectos de microteatro. Pese a que ya no esté la obra en cartel, en el siguiente enlace podéis echar un vistazo a las obras que se están representando y que lo harán en un futuro: http://www.elesconditeatro.com/


miércoles, 23 de noviembre de 2016

series: top intro series vol. 4

Hoy de nuevo volvemos a retomar un hilo en el que vamos a recordar aquellas intros de nuestras series favoritas. Tal y como ocurrió en la entrada anterior, vamos a hablar de shows de dibujos animados que marcaron la infancia de muchos, con personajes en su mayoría que ya forman parte de la cultura popular. Así pues preparar el bocadillo de nocilla y vamos a dejarnos llevar por la nostalgia.

Thundercats: emitida entre 1985 y 1989, la serie constó de 130 capítulos repartidos entre 4 temporadas. La serie se basaba en los personajes creados por Theodore Walter Wolff y fue dirigida por el japonés Katsuhito Ayama. El tema fue compuesto por Bernard Hoffer. La trama nos contaba como los Thundercats, unos felinos humanoides con habilidades especiales como fuerza o velocidad, huyen de la explosión de su planeta y buscan uno nuevo donde vivir. Al llegar al tercer planeta, llamado así por ser el tercero más próximo al sol, tendrán que hacer frente a los mutantes liderados por el temible hechicero Mumm-Ra. Acción, aventuras y diversión para una serie que de forma reciente ha sido objeto de remake y cuya intro de entrada es de las más dinámicas dentro de los dibujos animados de los ochenta como podréis ver a continuación:




Bravestarr:  emitida entre 1987 a 1988, contó con una única temporada de 65 episodios.Perteneciente a Filmnation, mismo estudio de animación que He-Man, la serie fue creada por Donald Kusher y Peter Locke. La trama nos contaba como en el Siglo XXIII en el planeta conocido como Nuevo Texas, el marshall Bravestarr ayudado por su caballo Treinta-Treinta tratará de impedir que la pandilla carroña liderada por el malvado Tex-Hex se haga con el kerium, un mineral de gran valor. Esta es la primera serie en la que un nativo americano era el protagonista, y sus poderes venían al invocar los espíritus del oso, águila, lobo y puma que le proporcionaban fuerza, ver a grandes distancias, oír cosas que otros no oían y super velocidad respectivamente. Al igual que en el show de He-Man, al final de cada capítulo había una lección moral.  Una serie bastante divertida y que ha pasado un poco más desapercibida que otras de la época, lo que es una pena puesto que era muy entretenida. A continuación la intro:




He-Man y los Masters del Universo: basada en la línea de juguetes creada por Mattel, tuvo dos temporadas emitidas entre 1983 a 1985 y constó de 130 capítulos. El tema de cabecera fue obra de Shuki Levy y Haim Saban. La serie nos contaba como en el planeta Eternia, el príncipe Adam se transformaba en He-Man y con la ayuda de sus aliados impedía los malvados planes de su némesis Skeletor. Serie recordada por muchos que estamos en la treintena y con cuyos juguetes hemos jugado en alguna que otra ocasión. Fue adaptada al cine en 1987 con Dolph Lundgren y Frank Langella, dando vida a He-Man y Skeletor respectivamente. Al igual que ocurría con Bravestarr, al final de cada episodio había una lección moral. A continuación la intro:



Gárgolas: creada por Greg Weisman y Frank Pur, contó con  temporadas emitidas entre 1994 a 1997 y constaba de 78 capítulos. Fue emitida por Disney y se caracterizaba por un tono oscuro que no solían tener las series emitidas por la factoría del ratón Mickey. La trama de la serie nos contaba como las gárgolas lideradas por Goliath protegían el castillo escocés de Wyvern hasta que fueron hechizados y solo podían romper el hechizo cuando el castillo fuera elevado sobre las nubes. Cuando el billonario Xanadu traslada el castillo a Nueva York, nuestros protagonistas despiertan y protegerán a la ciudad de la amenaza de Xanadu, Demonia y el gran mago. Una serie donde la magia, la mitología y la acción eran las bases sobre las que asentaba y contaba un diseño de personajes bastante molón. A modo de curiosidad parte del reparto de las series de Star Trek como Voyager, Espacio profundo nueve y La nueva generación prestó sus voces a algunos de los personajes. A continuación la intro: